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不炫技但精准，他的平面设计遍布日本街头｜MINDPARK Re:Think

MINDPARK创意大会 — Fri, 16 Oct 2026 07:33:19 GMT

MINDPARK创意大会由TOPYS发起，是中国领先的创意商业大会。自2017年起，我们持续汇聚全球最具洞察力的创造者——施德明、USM、BUCK、Moment Factory等百余位顶尖创意人、先锋品牌和机构曾参与大会，围绕创造力与商业的真实议题展开深度分享与对话。

新一届大会筹备已启动，合作招募同步开启。现面向品牌、机构与文化实践者等开放年度战略、品牌策展、创意工作坊、官方联名、餐饮接待、媒体等合作席位。详情可点击→这里←查看。MINDPARK创意大会 2026，期待你的加入。

接下来我们也将持续更新「MINDPARK Re:Think」，回望与更新那些值得反复思考的课题，为下一次创造积蓄灵感。

如果谈到日本的平面设计，色部义昭是一个绕不开的名字。他的创作涉猎VI、包装、展览、导视系统等多个领域，大阪世博会日本馆、Sony Park展、大阪地铁标识等经典的视觉作品皆出自他手。

如他所说：“这些设计放上去其实是个很小的符号，比起考虑看起来是否美观，我更在意它会给人留下什么样的印象和影响。”他的设计总是与现场环境紧密相连，低调得仿佛本就属于城市的一部分，却又在潜移默化间让城市变得更好。

欢迎你带着以下问题，一起回顾这位被誉为原研哉接班人的平面设计大师近年来的代表案例，探寻他的设计方法。

-流媒体时代，平面设计可发挥的空间似乎越来越小，只有它才能做到的事情是什么？

-艺术创作和平面设计有何不同？满足客户需求是否意味着丧失个人风格和理念？

-为公共场所和城市设施做设计，需要考虑哪些因素？什么样的设计才是好设计？

-设计的灵感从何而来？如何从一个创意点延伸为完整的视觉系统？

-平面设计可以从哪些方面寻求创新？

设计和艺术本就不同

色部义昭认为，从创作契机来看，艺术和设计本来就是不同的。艺术是创作者由内向外的表达，而设计是外在的，要回应大众的情感和客户的需求。

平面设计可视作一件必须认真来对待的“翻译”工作，仅仅停留在表面的模仿往往是行不通的，必须理解目的，从文章的脉络着手，一边“翻译”内容，一边“修正”措辞，使设计达到最合适的状态。

2025年大阪·关西世界博览会日本馆，由他负责视觉设计。当时的主题是“生命与生命之间”，展馆将从世博会场收集的废弃物转化为全新创造，来呈现“循环”。色部义昭拿到的任务，就是让全球观众都能直观理解这个抽象晦涩的概念。

为此，他创作了一个名为“モニョ（Monyo）”的视觉系统，就像细胞般不断分裂变幻，持续演化。这被应用在logo、馆内空间以及网络月刊的插图中。当观众在不同地方反复看到这种动态变化，便能理解“万物之间都处于循环之中”的主题。

公共场所，是有个性的

色部义昭习惯把一个场所当作一个人去设计，比如说他是看上去有点高冷，这种性格也会在建筑当中体现出来。他强调，公共场所标识的准确性固然重要，此外还要结合公共场所特有的特征，采用最符合这个场所的设计。

Sony Park展，便体现了这一点。

2021年，在银座索尼公园翻新之前，色部义昭为其打造了“Sony Park展”。他发现来这里的人们注重社交和探索，于是他将索尼集团的游戏、音乐、金融、电影等六大业务转化为六枚形如硬币的彩色标识，散置在空间各处。同时分别与六个艺术家合作，将音乐与诗歌直接喷在地面、墙体乃至天花板上，街头感十足。

2022年，展览巡至京都的旧工厂。色部义昭根据选址工业遗迹的特点，将标识重新设计成公交车站牌和警示胶带的形式，使之与空间内的工业轨道、金属机器等历史痕迹形成呼应，同时为空间增添了鲜明的色彩。即使是同个展览，但从银座到京都，已有不同的呈现。

从一个小点开始，打造一个系统

当被问及设计的思路，色部义昭说：“以一个小的点开始，把整个设计恰如其分的统一起来，制造一个系统的形象是我比较擅长的部分。”

市原湖畔美术馆的视觉，就是由一滴水开始的设计。

同等宽度但长短各异的矩形排列组合，眯起眼睛来看，就像一片波光粼粼的湖水。图形的视觉灵感正源于美术馆旁边的湖水，同时暗喻着游客源源而至。这个“像素化”的水波纹图形，被贯穿应用于整个视觉识别和导视系统中，传递着美术馆与湖畔之间舒适和谐的关系，也为这座建于1990年代的建筑注入了现代的韵律。

为设计多设一个额外目的

色部义昭在创作时常会采用一种“偏离轴心”的思考方法。“在最初接受项目的时候，客户会告诉我们一个设计目的——希望品牌能够更吸引眼球，希望导视系统更易懂。我们会根据这些根本需求来推进设计，满足客户需求当然是最重要的。但如果我们再为自己设定一个额外的目的，会变成什么样呢？”

这贯穿了他近年来的设计实践。纵观其作品，不难发现它们总是聚焦于人和公共空间的连接，以一种极其自然的姿态融入城市。涩谷的镜面路牌，就是在满足导视功能的同时，转化为了一件与行人互动的装置作品。

色部义昭在常见的镜面不锈钢面板上，加入了许多镂空的圆孔。当路人经过时，既能从镜面中看到自己的身影，也能透过圆孔看到另一面的行人和风景。涩谷是一个年轻化的、多样性文化集中的地方，他希望借由这样一个简单易懂又耐人寻味的路牌装置，展现出涩谷文化多面性的特质。

2018年，他为大阪地铁设计的视觉，同样如此。当时大阪地铁从公营转为民营化，需要一个全新的视觉符号来承载其“不断行进，不断变化”的理念。他将大阪“Osaka”的首字母“O”与地铁“Metro”的首字母“M”相结合，打造了一个如纽带般螺旋变化的动态符号。

尽管项目最初要求的是静态标识，但他认为电车里已经有电子标牌，采用动态的标识反而更贴合大阪“国际都会”的气质。作为城市基建设施的标识，它会出现在街头巷尾，也需要被当作环境景观的一部分来考虑。

那些年错过的剧集，重看都是细糠｜清单

TOPYS. — Wed, 30 Sep 2026 03:00:10 GMT

互联网上流传着一句玩笑：“现在的影视水平，要是倒退二十年就好了。”

发出这样感慨的人或许也不是有多讨厌近年来的电视剧，毕竟这几年还是出现了一些演员班底和剧本逻辑都在线的片子。更可能的是，ta刚好打开了一部老剧，惊喜地发现，古早画质瑕不掩瑜，当年的精神状态竟然如此超前。

临近假期，我们特意搜寻了那些藏在回忆里、私心觉得值得反复观看的（好）剧。如果你正好剧荒，不妨把它们加入你的待看清单，看看那些年大家都在关注什么，又有哪些角色堪称经典。

《男亲女爱》：儿时的职场启蒙，长大后的打工嘴替

对于在广东一带长大的小孩来说，千禧年的回忆里总少不了几部TVB剧集。在那个没有智能手机的年代，蹲在电视机前打开翡翠台，以正常倍速看剧中都市男女穿梭在香港街头，是每天放学后的日常，大概率也是不少人最早的职场、爱情与人生启蒙。

讲到这，《男亲女爱》不得不提。这部创下TVB非黄金时段最高收视纪录的作品，以CK律师楼为背景，讲述了两个看似八竿子打不着的人，阴差阳错终成眷属的故事。女主Miss Mo（郑裕玲饰演）是典型的职场精英，强势干练到甚至有点刻薄，内里却是豆腐心肠。男主阿Lok（黄子华饰演）则相反，吊儿郎当却越看越顺眼。

但别被名字骗了。这部剧之所以能常青，讲的并不只是男男女女间的拉扯，也没有什么从头到尾的荷尔蒙飙升亲密戏码。反倒是在欢声笑语之间，你会发现女性主义、职场同工同酬等如今炙手可热的议题早已被讨论，且观点先进。在还没有“大女主”这一说法的当时，Miss Mo就贡献了很多精彩发言，比如经典的对镜鼓励“你又靓又叻，上天一定会赏赐你噶，撑住”，还有拯救恋爱脑朋友时的“现在我们女人是要靠自己的，不需要靠别人”等等。

当然，你还是可以只把它当作一部下饭喜剧，尽情重温港式幽默的魅力。随便截一帧，都是打工人表情包。总有一句，能成为你的嘴替。（欢迎收藏使用）

《悠长假期》：做不好的时候，就当是神赐的假期

30年前的《悠长假期》，放到今天看，最有意思的可能不是爱情，而是两个跟不上社会时钟的年轻人。

一个是人生计划突然被打乱的南，一个是怀抱钢琴梦想、却在理想与现实之间徘徊的濑名。两个人都不算传统意义上的“人生赢家”：工作、感情、未来，好像没有一件事真的按照预期往前走。可正因为这样，今天再看会觉得格外有共鸣。原来，从前的人也经历着与当下许多人相似的迷茫。

剧里没有那种一直催着人“赶快振作起来”的紧迫感，反而把更多的画面留给了一些看起来没什么“大事”发生的日常。住在同一个屋檐下，聊天、拌嘴，一个弹琴，一个在旁边听，什么都不做，只是一起消磨时间。一种90年代日剧特有的松弛感，扑面而来。

剧里有一句广为流传的台词：“什么都做不成，也做不好的时候，就当作是神赐的悠长假期，不必勉强，不必慌张，不必努力。”这句话，如今看来正是对奥德赛时期的一种回应。不如在这个假期慢慢看上几集，让身体与精神都松一口气。

《潜伏》：当年的反面人物，再看都是“活人感”

如果穿越回2009年的天涯社区，在一个“《潜伏》里你最想嫁给谁”的投票里，看到榜首竟然是位穿着中山装、六十来岁、老气横秋的大背头，“颜王”孙红雷、气泡音吴刚、被老婆盖章有时下最受欢迎的“小老婆气质”的祖峰老师全部位列其后，你可能也会感叹一声：

但如果重看这部剧集（也就30集），你应该也会投出你坚定的一票。

很多影视剧角色都曾经历过口碑的逆转。对于优秀的剧集来说，时间的冲刷并不会稀释其含金量，反而能打磨出更多新角度。不过，坐实反面人物的站长的风评竟无需这种逆转。在“想嫁”评选中，除了能挣钱又“顾家”的现实考量、金句频出的幽默输出等等表象，人物的完整性则是其中一个隐形的决定因素。谈婚论嫁，不用是完人，但总得是个真人。

剧中的吴站长一边义正严辞“党国栽培、个人表现”，一边把斯蒂庞克牌小轿车和玉座金佛揣兜里，这几乎构成了他的主要人物形象——但不是全部。当他手术刀一般犀利点评自己“厚颜无耻地贪污”，或是在审讯中目睹地下党的自我牺牲时肃然起立并系好风纪扣以示尊敬，你又似乎能看到那个曾经意气风发的北伐国民革命军的影子。

时间过去20年，如今大家已经不大谈什么想不想，但是对“活人感”的偏爱从未改变。其根本，和创作是相通的——想要人物更真实和立体，总要有几个阴影般的细节。

《超级变变变》：到了七八十岁，可能还会喜欢的创意

要说近期看过什么“神级”舞台，西班牙当红歌手Rosalía的La Perla一定是其中之一。舞者们身着黑衣隐去身体，利用套上白手套的手臂与歌手组合造型。披着头纱的新娘、断臂的维纳斯、圣母像.....

当我惊叹于这些行云流水的变化之时，突然回忆被勾起——诶？这不是小时候看的《超级变变变》吗！找出节目回味一番后认定：就算自己到了七八十岁还是被这种极为质朴且充满智慧、幽默的手工感创意打动。

用黄色筒袜代替水冰月的长发

宝宝寿司

《超级变变变》开播于1979年，是一档全民创意竞赛节目。因为制作组一开始就抱着做一档“谁都能参与，谁都想参与的节目”的想法，所以《超级变变变》的规则非常简单：素人自行组队参加，自己制作的服装道具，利用肢体变化展现各种主题人、事、物、现象。三分钟内表演一个创意节目，通过评委打分决出胜负，冠军可获得高达200万日元的奖金。参赛者之间的关系可能是同事、朋友、家人、师生，有的甚至是在喝酒时遇到的陌生人。大家一起观察生活，在日常空隙间商讨排演，想方设法逗笑别人，共同努力完成一件事。想象一下，都觉得是有趣又温暖的画面。

整个家庭参赛

在这个过程中也出现了很多奇妙的故事。1987年一位名为上杉裕世的22岁年轻人，想在斯皮尔伯格导演手下工作，但因为没钱，去不了美国，所以来参加了节目。他凭借《独角仙大战楸形虫》拿下了第25期《超级变变变》的冠军，拿着100万奖金买了机票去了美国，后来他真的参与了《星球大战》《变形金刚》系列电影，以及《泰坦2》《侏罗纪公园》《复仇者联盟》等作品的制作，并且还拿下了艾美奖最佳视觉效果奖。

所以，认真感受生活里的点点滴滴，是会带来“回报”的，对吧？

《去他*的世界》：怪咖们的黑色公路片，又甜又丧又治愈

17岁的时候，James觉得自己可能是个变态。他杀过蝴蝶、猫，也曾经为了确认自己“还有没有感觉”，把手伸进滚烫的油锅里。

Alyssa同样是怪咖：她厌烦身边的一切，学校、同学、妈妈、继父，还有这个无聊得要命的小镇。她会突然躺到地上发呆，也会在别人还没反应过来的时候，丢下一句很难听的话，然后若无其事地走掉。

这样的两个人相遇，偷了James爸爸的车，开始了一场看起来像逃亡、实际上更像两位年轻人第一次认真离家出走的公路旅行。初看以为这是一部叛逆少年的黑色公路片，再看却觉得他们似乎没那么“叛逆”，只是相对极端地处理着家庭带来的情绪创伤。

虽然画风有点粗鲁失控，但恰好为青春提供了另一种样本：不一定要“找到自我”，偶尔把生活搞砸一点，好像也不是什么大事。

剧集开播这些年，围绕它的评价始终两极分化。可在甜丧剧这条赛道上，《去他*的世界》几乎没有代餐（至少目前是）。无论Alyssa提出多疯狂的主意，James的回答都是“Okay”，也留下了“原则上我不跳舞，但我却很难对Alyssa说不”这样的台词。不甜不腻，火候刚好。加之恰到好处的配乐、公路旁特有的浪漫场景，都值得一看。

再说了，每集20分钟，太适合没有耐心看长剧的现在了。

《五朵金花》：黑白画质，也挡不住气血充足的美感

8090后今天常说，没想到小时候吃得都是细糠。事实上，不光我们，爷爷奶奶辈儿那会儿吃得也不差。近些年，大理正成为越来越多人的“精神故乡”，殊不知，六十多年前，一部《五朵金花》，早早就让这里的好风光广为人知了。

这部作品由长春电影制片厂出品，在1959年10月1上映，是建国十周年的献礼之作。据说，当年年初，周恩来总理过目了一批献礼作品，对电影界口号太多、缺少电影美感和轻松氛围的状况不太满意，建议文化部创作一部轻松的影片。便有了《五朵金花》，一部纯纯美好的电影。

想看美好的爱情、美好的女孩子、美好的景色和民风的，都去看《五朵金花》吧，用今天的话来说，这部片子充满了“气血充足”的美感，且全员好人，没有狗血剧情，乳腺及各种腺都友好。

故事很简单：白族少年阿鹏在参加“三月街”庆典时，和副社长金花一见钟情。两人在蝴蝶泉边互赠信物后约定次年相会。第二年，阿鹏如约前来，却没有见到金花，于是走遍苍山洱海寻找对方。过程中他前后遇到四位金花，闹出不少笑话和误会。好在最后有情人终成眷属。

虽然女主是副社长金花，但影片没有让另外“四朵花”变成绿叶。片子塑造了五个性格鲜明，同等可爱的金花，在各自的领域闪闪发光。当芭比通过不断丰富玩具的职业，表达对职场女性的支持时，你会发现，在这部六十多年前的电影里，女性已经是优秀的拖拉机手、炼钢工人、畜牧养殖能手、积肥模范和公社管理者。而且，她们没有穿最干练的服装、化飒爽的妆，就是身着白族服饰，柔美但同样有力量。

《又见一帘幽梦》中以歇斯底里著称的绿萍，现在看却觉得美丽且坚强。《我的前半生》里的薛甄珠，在首播近十年后翻红。老剧新看，总有这样特别的魅力。可能随着认知变化，我们对某个角色的理解更立体深入，或者只是再一次地被老剧的洞察和世界观震撼到：咦，这不就是在讲我们现在的生活吗？

这个假期，不如挑上一部老剧再看一遍。也欢迎你在评论区分享那些年你看过的细糠。

他们要用沉浸式互动体验为你点一把“数字篝火”｜MINDPARK Re:Think

MINDPARK创意大会 — Mon, 28 Sep 2026 02:47:25 GMT

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你不一定听过Moment Factory，但他们的合作方你一定知道——麦当娜、安室奈美惠、Ed Sheeran、迪士尼、微软、索尼、FIFA……这家成立于2001年的多媒体数字工作室，并不想让你沉溺虚拟世界，而是致力于燃起一把“数字篝火”，把人们真实地聚在一起。

什么是“数字篝火”

Moment Factory对自己的定义是“全球娱乐工作室（Global Entertainment Studio）”。创始人Sakchin Bessette说，远古的篝火把人聚在一起议事、分享故事，那是人类最早的娱乐。此后“篝火”的形态不断改变：电影把人聚进影院，电视让我们聚在客厅……直到今天，我们能各自沉浸在手机中——技术让个体越来越“孤独”，但人始终是社会性动物，真实交流是本能。Moment Factory做的，就是用数字手段在现实世界点燃一把让人聚集、互动的“篝火”。

We do it in public

这是他们的核心理念：坚持在公共空间和真实场景中创作，让人们聚在现实世界，分享体验。他们开创性地把光影投影与自然、历史建筑结合，把多媒体艺术推向全球商业、文旅与公共空间的规模化应用，是当代大型数字“沉浸式体验”的行业先驱与领军代表之一。

我们希望科技本身“消失”

在AI技术大爆发的今天，几乎每个人都在问同一个问题：这门技术会给行业带来什么？它会把创意带向何方？其实，这种站在技术的拐点，兴奋与焦虑并存的状态，Moment Factory 创立之初便经历过——2001年，互联网技术“概念狂欢”的泡沫破裂，开始走向基础设施沉淀。

25年过去，数字技术发展早已翻天覆地。站在又一个科技转折点，当很多人还在讨论“AI将如何冲击创意”时，Moment Factory已经与Google DeepMind合作，让生成式AI艺术走出屏幕，铺满10米高的建筑立面，向沉浸式互动的新领域迈出了又一步。

Sakchin Bessette曾在MINDPARK创意大会上说：“很多时候，我们希望科技能够消失，只要感受到那种魔力就好了。科技固然重要，但并不是起始点，起始点应该是我们希望创造什么，创意应该成为最基础的那个元素。”

Phish: The 2026 Sphere Residency
——打造演唱会视觉效果新天花板。

2026年，Moment Factory在拉斯维加斯著名地标建筑Sphere球形场馆，为美国传奇摇滚即兴乐队Phish操刀演出视觉。

这一作品最具突破性的亮点，是一套能随乐队即兴演奏有机变化的实时视觉系统。此外，他们设计集成了超过7000个虚拟DMX灯光，让灯光师能够像操作实体设备一样实时、流畅地控制虚拟灯光，打破了原生引擎的限制。整套视听内容能够随着乐队现场即兴表演的节奏与氛围有机调整，模糊了现场演唱会与沉浸式艺术装置的边界，让Sphere不再只是背景屏，而是能与音乐同呼吸的“乐器”，进一步拉高了演唱会视觉:效果天花板。

Lumina
——定义了“户外多媒体夜游”新门类

《Lumina》是Moment Factory自2014年其，持续打造的现象级沉浸式夜游系列，被业界认为定义了“户外多媒体夜游”这一新门类。

首作Foresta Lumina曾为加拿大小镇带来 1800%客流增长十余年间，该系列在全球四大洲前后落地25个项目，吸引超500万人次，斩获 20余项国际大奖。Lumina 的创意突破性在于，它并非固定巡展，而是一套可因地制宜生长的夜游IP。该项目被认为重新定义了夜间经济，兼顾低生态扰动与商业回报，让游客放下手机重返自然，在夜间感受技术与现场的灵魂共振。

Lumina通过精心设计的数字多媒体装置，将森林、峡谷、公园等自然地貌、公共场所转化为充满神话色彩的光影世界。每到一地，都会深入挖掘当地的民间传说、原住民文化或场地特色，而后撰写专属剧本，设计游客路线。他们会沿途设置不同装置艺术，融合众多灯光、场景、声音设计以及传感、识别等互动体验，以数字技术赋予场地独特灵魂，带来美轮美奂的夜间探索体验。

Beyond the Frame
——为AI进入空间体验娱乐打开全新可能

当所有人还在就着屏幕讨论Al，MomentFactory 已经开始尝试让 AI 走出屏幕。与Google DeepMind于 2026年联手发起实验项目Beyondthe Frame，尝试让AI 离开电子屏幕，进入实体空间。从蒙特利尔AIStudio、SAT沉浸式穹顶到纽约Cipriani百年建筑，他们跑通了一条技术路径，让AI内容高保真地铺满现实空间，甚至繁复的墙面。以此为基础，他们可以开始尝试让生成式AI与响应式系统结合，让内容感知人群、实时反应，为沉浸式娱乐、空间体验等打开全新可能。

比大幅宣传海报更好使的，是一股滔天巨浪

毛毛.G — Tue, 22 Sep 2026 06:22:39 GMT

要为一场以“灾难与奇迹”为主题的展览设计吸引人的视觉，吸引人们走进展馆，并在正式看展前就已经对主题感同身受，怎么做到？

梵蒂冈宗座图书馆邀请法国街头艺术家JR，为图书馆为期五年的“灾难与奇迹”（Catastrophe and Wonder）主题展览的首展AQVA，设计了一个醒目又点题的装置。

延续JR一贯的黑白风格，一幅巨大的黑白波浪如今横在梵蒂冈宗座图书馆前。这个名为《DILUVIUM》的作品，长约70米，仿佛从图书馆的一侧“涌”向另一侧，撞击到对面建筑后翻起了三层楼高的浪花。回应图书馆的宗教属性，这股巨浪的取材自版画及插画作家古斯塔夫·多雷1866年创作的大洪水插画。画作反映的正是圣经中那场举世闻名的大洪水。

谈及这一创意的灵感，JR说它源自图书馆真实的恐惧：“对梵蒂冈图书馆而言，水代表着他们最大的恐惧，”他说，“因为水能带走所有记忆……带走他们所珍藏文明的一切痕迹。”

这座图书馆，致力于守护数个世纪以来的人类知识，而面对这样一股巨浪，人类以及我们文明的弱小和脆弱清晰可见。这样的画面，似乎也是“灾难与奇迹”的生动演绎——我们的历史中从不缺少滔天巨浪这样的灾难，而人类的知识、艺术、信仰、文明等等仍如奇迹般一代代流传了下来。

对艺术家来说，他的创作也不止于宗教相关的联想。JR看来，这股大浪能让人联想到气候变化带来的极端天气、人工智能所代表的科技浪潮，乃至政治极化等等，而汹涌的潮水之中，始终有个地方是为“保护”或“守护”而建的。

当然，你也可以对他有更多的解读。

最后，一个更为实用的联想。梵蒂冈宗座图书馆的展览这场展览，选用一个巨大的艺术装置，而非任何带有展览主题和内容的宣传海报来宣布活动的启幕。你并不能从这幅海浪中得到任何展览相关的资讯，但它可能比一张海报更能吸引你走进大门，去一探浪潮背后到底有什么？

我们的城市，需要“废墟”｜MINDPARK Re:Think

MINDPARK创意大会 — Sun, 20 Sep 2026 08:15:39 GMT

接下来我们也将持续更新「MINDPARK Re:Think」，回望与更新那些值得反复思考的课题，为下一次创造积蓄灵感

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人们对城市空间的需求和想象，正在变化。

从各种“非标”反复出圈到对“附近”的重新发掘，越来越多的人开始想要短暂逃离“光辉城市”，从大而板正、千篇一律的空间中抽身，钻进狭窄的街巷、步入十来平的小店，发掘那些不太精美但足够有特点、能让人真正待下来的地方。

这种空间需求的变化，恰好回应了建筑师张宇星提出的“城市微积分”概念：当大城市建设从增量走到存量，接下来不是继续大拆大建，而是做“精细化、颗粒化、单元化”的微积——让微小空间的微小变化，在日积月累中，创造出具活力和吸引力的“公共空间价值”。

以下是他关于“城市微积分”和公共空间的一些观点总结：

1、不追求一次改完，而是积累微小变化

微更新可以是一个台阶、一段栏杆、一个街角平台……小尺度、局部性、轻介入、渐进式，比“整村重做”更易推进，也更灵活耐看，具可持续性。

2、公共空间要便宜、便捷，有兼容性

公共空间的定义很简单，就是“便宜、便捷和兼容性”：它不是一个要花大价钱才能进去的地方，而是就在家门口，可以随便出入的场所。它的功能有无限可能，小孩可玩耍，村民能晾衣。它不用太漂亮精致，因为那反而会让人有压力，不敢使用。

3、城市需要“废墟”和“无用空间”

现代城市规划和建设很强调功能性。张宇星提出“废墟建筑学”——城市需要一些“无用空间”，甚至看上去像废墟一样的地方。这些没有具体功能限制的空间，更像一个精神性场所，让人们从中获得某种疗愈。

4、无法成为文物的“当代遗迹”

快速的城市化进程也催生了大量“当代遗迹”——80年代旧厂房、90年代村民自建房、2000年前后的写字楼……它们不具备成为“文物”的条件，但并不意味着没有保留价值。相比全部拆除重建，通过建筑学“轻处理”的方式保留使用痕迹也可以很美。

5、“正规＋非正规”的兼容性架构

城中村很像现代主义城市的缩微版，有符合正规现代主义体系的一面，但它们拥有更多具差异性、可变性的小空间，更易形成“非正规体系”中桃花源式的多样性聚落。张宇星想做的，就是叠加这两种体系，把千篇一律的现代城市中被抹掉的、能供我们“钻一钻”的小空间，带回给公众。

南头改装建筑
——用微小介入，让城中村“活”起来

南头古城是粤港澳大湾区的历史文化源头之一。建国初期，随着县政府的外迁，南头终结了其1700年古城史，在古城址上自然演变为南头村。改革开放以来，伴随着深圳快速城市化与工业化的进程，南头又逐渐转变为南头城中村。

南头古城鸟瞰 ©白羽

趣城工作室选择了位于深圳南头古城春景街、梧桐街和中山南街一坊的六栋村民自建房，对其进行微更新和改造。六栋建筑构成一个完整系列——统称为南头改装建筑（ Six Bricolage-houses）。它们包括：U1平台市集；U2我的宿舍；U3改装之家；U4街市美术馆；U5城墙遗产工坊；U6梧桐村友会。

整个项目在尝试探索如何借由微小介入，保护、活化南头古城的传统文化遗产以及城中村的日常生活遗产，并建构文化遗产、城中村与当代城市之间相互开放、相互交融、相互增强的新关系。

南头是一个鲜活的城中村社区，有超过两万人居住、工作在这儿。趣城工作室尝试采用一种「增强城中村」策略，在最大程度保持城中村原汁原味生活形态的同时，实现对某些特定性能的增强。这一过程中，需要严格遵循微更新的三个原则：轻介入、可还原、局部性。

在U2我的宿舍改造中，趣城工作室把原本破旧的握手楼，改造为一个具有混合用途的城中村综合体，其中，一层和二层为快递员宿舍，这也是“我的宿舍”的名称来源。三层作为一个城中村非政府组织的办公场所。同时，建筑师采用“夹心层”策略，将不同类型的夹心层，如结构夹心层、功能夹心层、采光夹心层等插入到原始空间体块之中，从而创造出非常有魅力的复合使用场景。

而沿春景街的两层坡顶小屋，是村民自行搭建的。改造中，工作室采用墙体局部加固和局部切割、楼板结构转换层等方法，最大程度地保留了布满斑驳痕迹的旧墙体。同时，插入新的钢结构体系，用六根钢柱将一个钢盒子托举到二层，形成悬浮状的“春景阳台”。

U2我的宿舍改造后的“春景阳台”。©白羽

U4 街市美术馆改造前就是一栋普通的村民自建房，但完整保留了早期的城中村建筑的空间格局、工艺和材料。趣城工作室在保留原建筑的基础上，简单插入了一个“窗景盒子”，赋予了它新的魅力。

U4 街市美术馆改造前（左）与改造后。©白羽

沙井村民大厅
——不够成为“文化遗迹”的建筑，也有保留的价值

沙井村民大厅前身是1980年代修建的岗头柴油发电厂。随着深圳电力供应被国家电网完全覆盖，该电厂被废弃，年久失修，逐渐成为一栋危房。

电厂废墟的原状。 ©趣城工作室

趣城工作室使用微更新的观念和方法，让电厂废墟获得了新生。将它变成深圳市沙井村民提供在地服务的文创场馆和社区中心，成为具有开放性建筑功能的新场所。投入使用的沙井村民大厅，举办了包括沙井金蚝节等在内的多项传统文化节庆活动，沙井村民将其作为日常生活地点，城市居民也经常到此休憩游玩，这儿逐渐成为深圳富有魅力的公共场所。

作为一栋废弃老厂房，原建筑并不足以成为文物。在张宇星看来，我们的城市中会越来越多出现这样的建筑：存在了四五十年，称不上文化遗迹，却也拥有自己的时间和历史价值。因此，他们试图为这些普通的城市建筑“遗产”，找到建筑学的解法，让它们呈现出新的状态。

©白羽

比如，在沙井村民大厅改造过程中，他们对旧厂进行重新切割，尽量保留具时间痕迹的建筑要素。张宇星提到，原厂房的两面巨大墙体，切割过程中他们甚至强调“任何一块青苔都不能动”。虽然施工过程很多人不理解，但项目落成后，人们觉得旧墙呈现的效果，比另建一堵全新的墙更漂亮。

此外，他们用钢结构、石块等创造具中国园林意境的新式“废墟花园”。张宇星认为，真正的空间意境，不一定要用老材料、老形式，现代化的东西也能创造出有趣的、具意境的场景。传统文化完全可以和现代公共空间兼容。

©白羽

请再来一次我们的海洋馆…而不是妖怪馆

毛毛.G — Fri, 18 Sep 2026 07:19:53 GMT

什么样的宣传能吸引你走进一家动物园或海洋公园？明星动物的硬照或社交媒体上的“上班vlog”？或者看上去就很刺激有趣的游玩项目？

最近，日本横滨八景岛海岛乐园投放了一系列黑白宣传画，却比任何炫酷的现场视频都有吸引力。

看得出来上图画得都是些什么动物吗？

这些都是住在日本横滨八景岛海岛乐园的正经动物，只不过，在人类不太灵光的记忆（可能还有些恶趣味想象力）中，变成了如今的模样。

在这一宣传中，海岛乐园邀请游客在游玩结束后，完全凭记忆，不查资料、不翻照片，画下他们印象中在海洋动物园看到的一种动物。然后，把大家的画制作成了这些投放在公交上的“百鬼夜行图”。

画面中的动物，从上到下，从左到右，分别是：
海天使、小爪水獭、企鹅、短吻海豚
海象、海月水母、海鳝、海马

“仅凭记忆绘制了横滨八景岛海岛乐园的动物们”，显眼的主文案如此写道，但更重点的，是角落的小字——“总之……请来一次吧。”

是啊，来过的，看看你们都画了什么妖魔鬼怪啊，罚你们再买一次门票好好看看！至于没来过的诸位，千万不要相信这些仅凭记忆创作的“东西”，一定亲自来看看。当然，如果你觉得自己能记得比他们牢、画得比他们好，更加欢迎你们在逛完海洋馆之后，也亲自画一幅。

这是画的“龙鱼”。左上画得挺好，但不知道和龙鱼什么关系。下方的四边形……怎么不算一种形似的？

看到这样的作品，不知道你会不会想要去这家海岛乐园看一看？

Dave Bell：干了30年的创意总监，如何做颠覆性创意？｜MINDPARK Re:Think

MINDPARK创意大会 — Wed, 16 Sep 2026 06:17:18 GMT

新一届大会筹备已启动，合作招募同步开启。现面向品牌、机构与文化实践者等开放年度战略、品牌策展、创意工作坊、官方联名、餐饮接待、媒体等合作席位。详情可点击这→这里←查看。MINDPARK创意大会 2026，期待你的加入。

当AI开始越来越擅长生产内容，创意人的价值究竟还剩下什么？

Dave Bell 给了我们最清醒的答案：“真诚、反骨与打破常规的意外”。

作为 KesselsKramer 的创意合伙人，Dave Bell 从文案出身，长期参与 citizenM、SXSW London、Red Stripe 等品牌项目。他的作品很少追逐“看起来正确”的广告套路，却总能从一个具体的人性洞察出发，把品牌带到意想不到的地方。

Dave 也曾在 MINDPARK 分享中谈到，他们并不喜欢从“我要做一个有影响力的 Campaign”开始，而更习惯先问一个简单的问题：

你真正想解决什么问题？这也是 KesselsKramer 所强调的 “Start Smart”。

一个好的广告首先应该是一件好的作品：能够有效沟通，也能够解决问题。所以，媒介可以变化，表达方式可以变化，但好的作品、有效的沟通，以及真诚，依然成立。

CitizenM：酒店窗户，变成了户外广告的新模版

CitizenM 是KesselsKramer 长期合作的代表案例之一，也是 Dave Bell 从零开始一手打造的酒店品牌。CitizenM的命名灵感来源于“移动世界公民”，是 Dave 为入住这家全新酒店品牌的客人做的人群定位：他们是现代旅行者，乘坐火车或者飞机，只携带手提行李，商务出行，但同时也享受休闲时光。

二者最出圈的合作，就是将酒店大楼变成一个巨大的展览橱窗，展出各种主题的肖像照，突破传统酒店宣传的范式，也让户外广告有了新的模板。

在酒店的洛杉矶店开业时，他们和当地的摄影师Corinne Schiavone合作，拍摄了52个当地非常具有艺术性、创造力的面孔，在酒店的外墙上展览。

在纽约，为了启动旗下新酒店citizenM Bowery，酒店邀请到了导演、摄影师Christelle de Castro拍摄了63个“特立独行的不合群者。

在洛杉矶市中心，疫情刚过，展览以“宝利来相机”为主题，来展示和扶持那些苦苦挣扎的本地企业和艺术家。

这也对应了 Dave Bell 对“影响力”的理解——与其寻找一个拥有巨大粉丝量的 influencer，不如找到一个真正对所在领域、所在社区有影响力的人。

SXSW：用设计的“拼接”，把跨界碰撞变成看得见的视觉

如何吸引人们报名参加一个创意科技节？SXSW 全称 South by Southwest（西南偏南），是 1987 年始于美国得州奥斯汀的年度综合性大会，以科技、电影、音乐、教育、文化的跨界融合为核心闻名。Twitter、Airbnb、Uber 等都曾以 SXSW 为跳板走向世界。2025 年起，这个传奇 IP 第一次跨出奥斯汀，来到伦敦。

2025年，Dave Bell 担任该项目的 Creative Director，他们的核心创意是："Beautiful Collisions"，SXSW 的本质是"不同领域的人撞在一起"——金融专家挨着电影导演，音乐人碰上科技创业者。KesselsKramer London 把这个洞察提炼成 SXSW London 的品牌创意："Beautiful Collisions——跨行业的偶然相遇，激发灵感”。

这场宣传创意充分利用 SXSW 独有的特点——多元学科与精英思想的碰撞，呈现出一系列鲜明且很难不让人注意到的的街头视觉，让常规的信息不再枯燥乏味，而是引人入胜。

视觉系统则采用模块化的插画设计，既能组合成完整主视觉，也能重新编排，适配广告牌、社交媒体、导视及其他线下物料，让同一套视觉在不同场景中持续产生新的组合。

红条纹啤酒：废弃啤酒罐，变成一台能发声的艺术装置

红条纹啤酒在 Dave 的团队接手前充斥着刻板的“牙买加形象”——轻松惬意的加勒比海滩生活。但Dave和团队洞察到牙买加生活艰辛，崇尚“自己动手、自己建造、自己完成”的精神，他们联想到英国的消费者本身也拥有丰富的DIY文化。于是，用红条纹啤酒进行一系列DIY的创意由此展开。

Dave 和他的团队收集了一万个啤酒罐，与声音艺术家 Yuri Suzuki合作，用红条纹啤酒罐搭建了一套音响系统。

最奇特的是，他们不仅在罐内焊接了迷你扬声器，还用宜家灯具连接起整个装置，以大大小小的灯罩模拟传统喇叭的形态，进一步增强声音的传播效果。并邀请雷鬼明星 Gappy Ranks对这套音响系统进行测试和使用。

原本的废弃啤酒罐变成了一台2.5米高的发声合成器，在伦敦东区的地下空间里轰鸣。这场 "Make Something From Nothing" 后来扩展为 "Make With A Red Stripe" 全国性 campaign，把品牌从货架搬到了街头。

从“做广告”，回到“解决问题”

把这些案例放在一起看，会发现 Dave Bell 的创意方法其实非常一致。

CitizenM 解决的是一个酒店品牌如何进入一座城市的问题，于是他们去寻找真正属于这座城市的人。

SXSW London 需要让一个全球创意 IP 在伦敦重新建立认知，于是他们抓住了“不同领域相遇”这一核心特征。

Red Stripe 想表达品牌背后的 DIY 文化，于是他们干脆用啤酒罐做了一台真的音响。

这些创意看起来都很“意外”，但它们并不是为了意外而意外。

先找到真正的问题，再找到一个足够聪明的创意。这也是 Dave Bell 所说的 “Start Smart”。

slowdown lab关于创新商业实践的10个心得

TOPYS. — Tue, 08 Sep 2026 02:13:31 GMT

2025年初，LOFT53在深圳老牌文艺地标华侨城创意文化园正式开业。零售、书店、市集、餐饮、口袋公园，多种小型业态聚合于此，形成了一个小体量非标商业。不过，它背后的策划团队slowdown lab鲜少用“非标”来定义这个项目，他们更多使用的是“创新商业”——用新的商业模式打造新日常去处。

对slowdown lab的两位联合创始人——农畉、山池创始人Venco (叶文考) 和TOPYS创始人⻩永敏——来说，LOFT53是他们创新商业理念的一个“训练场”。历时一年多运营，他们不断调试，过程中关于“创新商业”想法和做法也在不断校准。

以下，是他们基于真实商业实践，总结出的“创新商业实践的十个心得”。

…

下面这十条，没有一条是我们在会议室里想出来的。

它们是被真实经营改出来的——有些是我们判断对了，有些是花了钱才想明白，也有些到现在还没做到。这一年里，LOFT53是我们思考最密集的现场，所以它会反复出现在下面的例子里。但这些心得指向的不只是一个项目，而是我们对当下“创新商业”这门生意的一些判断。

它们不是绝对正确的答案，更多是阶段性的经验总结与开放分享，以期能够为同行和正在做项目的人提供一些参考，更期待反馈和讨论。因为，在我们看来，“创新商业”的做法，本就没有统一标准。

希望这样的总结，能每年写一次。

1、打造“非标”，是对非标的最大误解

非标不是一种风格，也不是一种商业类型，更不是街区、咖啡、市集、主理人、装置和开放空间的拼贴。当“非标”开始被采购、复制、模板化，它就已经变成新的标准答案。那该讨论什么？一个地方如何基于自己的资源、人群、品牌关系和长期经营，长出自己的规则。

这也决定了一个项目从一开始要走哪条路。

行业默认爆红是好事。但爆红和速冷其实是同一件事的两面——被记住不重要，因为什么被记住才重要。靠一个装置被记住的项目，会在下一个装置出现时被遗忘；靠一次事件被记住的，会在下一次事件后被遗忘。热度越集中在单一理由上，冷却就越快、越彻底，因为人从一开始就不是冲着这个地方来的，是冲着一个理由来的。

能长期经营的项目，通常没有一个爆发点，而是有很多个小的、分散的、日常的理由：某家店的产品、某个时段的闲适、某条习惯的路。这些理由单个都不够上热搜，但它们的叠加，不会因为任何一个消失而崩塌。

所以LOFT53 开业时，我们做的不是加法，是减法：拒绝网红装置、对纯打卡型业态保持距离。代价是没有爆发式的开业峰值，也要在内部回答"开业人气怎么办"。我们接受这个代价，因为选择"一时红"还是"细水长流"，在开业之前就已经决定了这个项目要走哪条路，而且只能选一次。

2、空间能让项目好看，但不能替项目回答“我是谁”

一个项目最后长得像别人，很少是因为设计师审美不行。真正的原因通常更难说出口：定位不够清楚、业态不够明确、差异化说不上来，于是用一个看起来不错的空间把这些不足盖住。红砖、钢结构、露营椅、粗粝工业风之所以泛滥，是因为它足够安全——它能让一个还没想清楚自己是谁的项目，看起来像是想清楚了。

但空间盖不住定位的空洞。人可以为了好看来一次，不会为了好看来二十次。真正需要回答的是两个问题：这个地方应该是什么？以及它凭什么能成？

第一个问题的答案，不该从概念里来，要从这块地搬不走的东西里长出来。

地理位置、历史层积、文化根基、既有人群的消费习惯、被低估的存量资产——定位应该是这些条件的结果，而不是先想一个概念、再回头找场地证据去支撑它。前者是"这里只能是这个"，后者是"这里也可以是这个"，而"也可以"意味着别处同样可以，这就是同质化的起点。

对LOFT53 来说，定位不是后来贴上去的。
它不是我们发明的，是这块地已经长出来的东西。这套条件不是每个项目都有——城市核心区、十几年的文化沉淀、一个已经形成气质的园区，本身就是稀缺的。但方法是一样的：找到那块地上已经存在、别处搬不走的东西，然后让定位从那里长出来。

没有文化基因的地方，可能有人群基础、有产业腹地、有一段被忽略的历史，甚至有一个别处没有的地形。稀缺的从来不是条件，是把条件当成起点的耐心。

第二个问题更难，也更容易被跳过：差异化不是想出来就成立了，它必须能被商业结构接住。

一个定位要成立，至少要能回答：它对应哪些具体业态？这些业态之间有没有关系？谁提供高频复购、谁提供内容和新鲜感？收益结构支不支持这个配置？如果这些接不上，再准确的定位也只是一句宣传语，开业半年后就会被日常经营的惯性拖回常规。

大多数项目的问题不是没有定位，是定位和后面所有环节是断开的。定位停留在提案第一页，招商按招商的逻辑走，空间按空间的逻辑做，最后长出来的东西自然和别人一样。后面几条讲的，其实都是这个问题的不同环节。

3、在决定做什么之前，先判断什么不能做

真正的创新，第一步往往不是提出概念，而是建立边界。很多项目的问题，不是想得不够多，而是拒绝得不够清楚：什么方向不行，什么流量不要，什么品牌不适合，什么投入不值得，什么动作会把项目带向同质化。

对项目来说，这才是前期策划最关键的价值：不是给出更多可能性，而是帮助项目先排除错误路径。方案里多一个想法，通常不会让项目更好；少一个错误方向，往往能省下真金白银和半年时间。

有意思的是，边界感有时候会往反方向延伸。LOFT53的E5栋与F3栋之间原本隔着一片绿化，不属于项目租赁范围。按常规逻辑，责任到此为止。但它直接决定整个街区的体验是否完整，我们最后决定自己来出资改造，把它打通成一座公共小公园。

如今这里是用户停留时间最长、街区活动发生最频繁的场所。这件事表面上是多做了一块不属于自己的空间，实际上是在确认一个边界：我们不是只对铺位负责，而是对用户走进这个地方的完整体验负责。

4、试错成本，应该被当成一项战略来规划

“先轻验证、再重投入"这话听起来是常识，但真正决定你能不能这么做的，是你的成本结构。这件事我们也是做了几次之后才意识到：真正限制判断力的，往往不是想法，而是试错的成本。

但试错的核心，并不是为了便宜，也不是为了把事情做得更快。它真正的前提，是核心判断已经想清楚了。只有最重要的东西定住了，其他部分才可以快速决策、快速论证、快速调整。否则所谓试错，只会变成反复摇摆。

对LOFT53来说，我们一开始想清楚了两件事。第一，它不只是一个商业街区，也是slowdown lab的商业实验场。第二，任何时候，内容和业态都比空间重要。

这两个基准点定住之后，很多动作反而可以跑得很快。

所以"我们敢做非常规判断"和"我们落地快、成本低"不是两件事，是同一件事。很多项目做得平庸，不是因为团队没想法，而是因为它的成本结构不允许它犯错。

对项目来说，试错预算不应该是后期机动费用，而应该是前期策略和规划的一部分。因为真正贵的不是试错，而是把一个未经验证的判断一次性做成重资产。

5、关系对了，生态会自动发生

很多项目把业态理解成品牌名单，但品牌之间如果没有关系，和场地没有关系，和用户没有关系，名单再漂亮，也不会自然变成生态。

我们的工作从来不是先从品牌名单开始，而是从规划一个结构化的生态开始，因为对于一个项目而言，生态的周期长，品牌的周期短。结构对了，品牌会慢慢长出来；结构错了，再好的品牌也可能互相消耗。

一个地方需要什么样的人，什么样的消费节奏，哪些业态负责高频，哪些业态负责新鲜感，哪些品牌需要稳定，哪些品牌可以流动——这些结构想清楚了，品牌序列才会慢慢长出来。

一个热度很高、但会破坏整体关系的品牌，未必是好选择；一个当下不够有名、但能补上生态关键位置的品牌，反而可能更重要。

判断一个品牌，不能只看成熟度、知名度和业绩——那是在看它的过去。我们经常看的是三件事：

差异，它现在能提供什么别人没有的；
潜力，它未来还能长成什么样；
路径，它成长过程中的风险在哪、能不能被控制。

这三件事之外，还要看主理人的状态和意愿。这近乎一种投资思维：决定长期结果的往往是人，不是起点。

LOFT53的SMOOMARKET里，部分品牌是主理人首次开店或创新店。市场逻辑上这类品牌风险极高，多数项目会本能排斥，但它们缺的往往不是竞争力，而是一次被认真对待的机会。

这套标准有效，不等于每次都对。这一年里也有我们看好、但最终没能跑通的品牌。判断力的意义不在于不犯错，而在于犯错之后知道错在哪一层——是产品判断错了，还是人判断错了，还是我们给的条件不对。

6、与其说是招商，不如说是长期关系的经营

创新商业最重要的不是把品牌拼起来，就像拼一台车，底盘、电池、动力单元、电子设备都找到了，不代表这台车就能跑得好。真正要先想清楚的是：这台车到底要跑什么路，为什么和别人不一样。

所以我们花更多时间在创新本身，在顶层差异里做更多的投入和判断。一个亟需提升品质的项目，需要更高质量的品牌来校准气质；一个主打松弛感的项目，就要预留更多冗余尺度，而不是把每个空间都压到最满。最终品牌不是被填进去的，而是被一种关系邀请进来的。

招商思维有一个默认前提：门槛应该由对方跨过来。你有钱、有经验、敢承担开店风险，我们再谈。问题是，很多有潜力的品牌，卡住的恰恰是这道门槛——不是产品不行，是第一次开店的设计、施工、成本、经验和现金流让它不敢动。

按招商思维筛一遍，这批人会被直接筛掉，剩下的是那些开得起店的：连锁、网红、成熟品牌。这也是为什么很多项目的招商结果，最后都长得差不多。

LOFT53街区里有一家产品很有竞争力的烘焙店，主理人把全部精力放在产品上，但对开店所需的空间设计与施工始终犹豫。他说东西他做得出来，但装修的钱和事他扛不动。我们用自己的快速设计施工体系，把空间和工程全部承接下来，让他只需专注产品和运营，店铺开出后再用经营收益逐步偿还费用。这意味着我们的收益不是一次性收取，而是跟着商户的经营一起兑现。

愿意这样设计收益结构，前提是对判断本身有把握，这也是招商思维和孵化思维最大的区别：前者把风险推给对方，后者敢于自己承担一部分——因为你相信自己的判断。

7、不是所有空间，都要用同一种方式赚钱

坪效是单点指标，项目是系统。一个好的项目，更像一支乐队，不是每个人都发出同一种声音，也不是每个位置都承担同一种任务。有人负责主旋律，有人负责节奏，有人负责气氛，有人负责把整个场子撑住。空间和业态也是一样：有些位置负责赚钱，有些位置负责带人，有些位置负责更新内容，有些位置负责建立气质。

当每一平米都被要求自负盈亏时，这个项目一定会趋同——因为能确保单点坪效的业态就那么几种，所有人算完账都会得出同一份招商名单。这是同质化在财务层面的真实成因，而且它比审美层面的同质化更难被察觉，因为它每一步都合理。

所以我们在财务模型里主动设定"引擎位"：它的KPI不是自己的租金，而是它能不能持续制造新内容、把人带进来。不是每一平米都要用同一把尺子——有些空间不在自己的账上赚钱，它可以在别人的账上赚钱。

LOFT53的PROPOSER提案者书店就是这个角色。它接近200 平米，我们在设计阶段就没有把它当成一个大店来做，而是规划成四个可以独立运营、独立生长的空间——长租、快闪、策展、主力零售并存，对应固定租金、抽成、免费三种收益方式的组合。

这里要说实话：它自己的坪效并没有因为拆分而提高。拆分真正带来的是一个可以持续更换内容的机制——新的品牌、新的展览、新的快闪不断进来，让这个空间始终有理由被重新走进一次。在整体零售承压的月份里，它反而是少数保持增长的空间之一，因为它每次都不太一样。

它当然是成本，但它同时是杠杆。这件事放在单店报表上不好看，但放在整个街区里是有用的。一块不直接产生收益的面积，撬动的是整个项目的到达频次和停留时长，转化发生在餐饮和零售身上。多数项目会用坪效指标砍掉这样一个空间，我们选择用整体账保住它。

8、日常也可以很感性，而且更能抗时间

开业时最热闹的，不一定最能活得久。这句话已经快成为共识了。但很少有人说下半句：明明知道日常业态更抗时间，为什么大多数项目还是招不进来、留不下来？

因为它们不感性。但这件事可能也被误解了，日常不等于无趣，也不等于低配，日常也可以很感性。很多项目习惯去找“不需要但有话题”的类型，反而忽略了“真正需要但可以被重新表达”的新机会。豆腐店「荳富」就是这样的例子：它卖的是非常日常的东西，但通过产品、空间、命名和体验，可以变得既有魅力和亮点，也能业绩稳定、长久经营。

书店也是一样。书店当然是感性的，但如果它只是一个被观看、被拍照的地方，就很难进入日常。所以我们计划10月初，把PROPOSER提案者书店整体搬迁到mindpark创意公园二楼，和咖啡、零售、共享书房、社区内容中心整合成一个约400平米的综合空间，让它不只是一个书店，而是更日常、更开放的社区和社群内容空间，用空间换内容，用内容换用户。

我们越来越相信：让感性变得更日常，让日常变得更感性，可能是创新商业接下来很重要的方向。日常性本身就是一种竞争力，而不是"没有更好选择时的填充"。

市场经常出现的错配是：项目把最好的位置和条件给了最容易冷却的业态，把日常业态放在边角、给短租，而后者才是三年后还在营业、还在贡献稳定收入的那一批。在LOFT53，这类提供日常品质生活的店存活率明显更高，业绩也更稳定，它们构成了一个街区能让人经常来的理由。

9、旧的创造方式，做不出新的生活方式

我们越来越不相信“接力赛”式的工作方式：策略、设计、招商、施工、运营、传播，每一棒交给下一棒，每个环节找一个最专业的供应商。这套结构是为标准化商业设计的——当结果可预期时，分段外包最高效。

但创新商业每个环节都在互相定义：一个品牌能不能进，影响空间气质；一个空间节点怎么做，影响停留方式；一个内容活动怎么发生，影响消费路径。在接力式的供应链里，这些相互影响只能在下游被发现，而那时上游已经固化。招商发现问题时，图纸早画完了。

所以问题不出在某个环节做得不够好，出在创造方式本身还是旧的。

新的生活方式，需要一种新的协作结构。多年下来，我们慢慢组织起了一个创新创造的小生态，它不是一个供应商名单，是一组长期一起做事的人。这个小生态一开始不是被设计出来的，它是在一个个项目里慢慢靠近的——策划：slowdown lab；设计：NUC、空场；制作施工：西成木构；以及后来加入的内容和运营伙伴。

早期是项目合作，后来变成稳定的工作室，再后来，它开始像一部越来越精密的机器。每个人各有所长，也知道彼此的边界和脾气；很多判断不需要从零解释，很多调整可以直接发生。这件事说到底，是天时、地利、人和。

它和传统合作的区别有三点：

一是不按环节切分。传统模式下，设计公司交付图纸就结束了，施工方按图施工，招商团队拿着已经定好的空间去谈品牌。小生态里没有这种交接点——同一批人从判断阶段就在场，一直待到开业后的调整。

二是可以被临时调用，也可以随时返工。一个道具做出来发现不对，不需要走一轮询价、招标、重新签约，改就是了；这也是能做到"试错成本低三成"的基础——省下来的不只是材料费，是流程摩擦的时间成本。

三是信任已经预付过了。一次合作的供应商需要用合同保护自己，所以会把边界划得很清楚：“这不在我的范围内”；长期协作的人不需要每次都重新确立信任，愿意为对方多想一步，也敢于提出反对意见。

这不是一个封闭圈子。它真正有价值的地方，不是“这些人只能一起做事”，而是它形成了一种工作方式：关键判断前置，核心伙伴早进入，设计、制作、招商、内容和运营不再线性交接，而是在同一个现场里共同校准。

判断力决定了这个决定“对不对”，落地力决定了这个决定做完之后"好不好"。

10、开业不是成功，运营才是检验

开业、流量、传播、行业关注，都只是开始。

LOFT53于2025年3月开业，从前期现金流为负，到逐步实现现金流平衡，这个回正不是自然发生的，中间经历过很多次调整：品牌组合的调整、空间使用方式的调整、内容频率的调整、成本结构的调整，也包括我们对一些判断的修正。

我们没有把这个时间差藏起来，因为它恰恰说明了这件事的真实性：一个地方从建成到真正跑起来，需要的时间比任何提案里写的都长。这也是经营现场最残酷、也最有价值的地方。一个判断如果错了，它不会只停留在复盘会上，而是会体现在现金流、空铺、停留时间和用户反应里。你必须面对它，然后把它调回来。

这一年让我们想的最多的，其实还有另外两个项目。永定河集从启动到落地只用了68天——从判断、策划、场景设计与落地、品牌导入到开业运营，同一批人一路做下来。KALEDO前期的策划定位、品牌塑造和空间设计指导，我们全程主力参与，但这两个项目后来都走向了另一个方向，这提醒着我们：一个项目从前期策划、落地开业，到进入长期运营，中间隔着复杂的组织、资源和经营承接。

前期判断成立，不代表长期结果自动成立。这也是为什么我们越来越在意“在场”，真正的创新商业，不是把一个好概念落地，而是持续把它从偏离里拉回来。

最后，这些经验，只有自己做才用得上吗？

这个问题很实在，我们的回答分两部分。

第一，自持自营给我们的不是特权，是校准的机会。不是因为自持自营更高级，而是因为只有长期待在经营现场，判断才会被真实地修正。我们能做这些判断，不是因为花的是自己的钱所以随便，恰恰相反——正因为是自己的钱，每一个判断的对错都会在三个月后写进自己的报表里。这种反馈的即时性和残酷性，是任何顾问关系里都得不到的。这十条心得的价值不在于我们做了什么，而在于它们都经历过真实的赔与赚。

第二，判断本身是可迁移的，难的是把它前置进共识。一个空间要不要承担引擎角色、试错预算留多少、哪些品牌值得用非标准条款去争取——这些在委托关系里都做得到，但必须在立项阶段就和业主达成一致，而不是等开业后再来解释为什么某块面积坪效不达标。大多数好判断死掉，不是因为它错，是因为它提得太晚。

以上写完，我们最强烈的感受不是"总结了什么"，而是发现每一条后面都还跟着一个没解决的问题。

定位能不能不靠人、靠一个规则传下去？孵化式招商能不能变成一套别人也能用的标准流程？一个小项目的运营，除了营收表，还能不能有其它的方式被看见？

这几年，行业都在讨论怎么做得不一样。但我们越来越觉得，真正的分水岭不在"一样"和"不一样"之间，而在"做完了"和"还在做"之间。一个被设计完成的地方，从开业那天起就开始折旧；一个还在生长的地方，才有可能越来越对。

所以明年这份心得里，一定会有几条是用来推翻今年的，那才说明这一年没白过。

明年再来。

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关于slowdown lab

slowdown lab，新一代日常目的地打造者，由农畉、山池创始人Venco (叶文考) 和TOPYS创始人⻩永敏联合创办及主理。

我们长期工作在：文化、品牌、空间、创意、消费、社群之间，形成了商业与文化、业态与内容上的复合优势，帮助商业、文旅、城市更新与品牌项目，以更灵活、更可持续的方式，从场地或空间变成：新日常目的地。并以创新顾问、全案委托、联合孵化等方式，与合作伙伴一起，把好的设想落地实现。

如果你正在做一个项目，或者对上面某一条有不同看法，欢迎与我们联系，共同探讨。

联系方式：

邮箱：billiedeng@slowdownlab.cn
微信：billie284992299

关于LOFT53

LOFT53位于深圳华侨城创意文化园(OCT-LOFT)南区，由两个子空间SMOOMARKET(位于F3栋)和mindpark创意公园(位于E5栋)及三条街共同组成，总面积约2500m²。两个子空间统一打造与运营、互成整体，已有零售、餐饮、集市、书店、办公等多元业态入驻。

LOFT53是一个充满活力的创意商业街区，为城市和公众提供领先于当下的高品质日常生活，并与周边社区及人们成为关系紧密的伙伴与社群，持续以文化和商业的融合创新，成长为城市新的日常目的地。

这些“漂亮纸”，让城市有了新的目的地

变身7 — Mon, 07 Sep 2026 06:08:31 GMT

如今若搜索上海必打卡的美学空间，除了美术馆和画廊，还会看到一个特别的去处——福州路上的汇丰纸行。这家拥有近百年历史的老字号，近几年逐渐成为许多人专程探访的目的地。来这儿的人几乎人手一张“漂亮纸”，鲜少有人空手离开。

纸，诞生于几千年前“四大发明”之一，怎么成了必买的城市单品？逛纸行，究竟是怎样一种新奇体验？相信看完汇丰纸行的故事，也会打破些许你对纸张的传统印象。

图源小红书@CC的好日子

2025年，诞生90多年的汇丰纸行，有了个新名字：SuperPaperSonic。这是设计师出身的孙浚良接手后为其取的名，寓意一个关于当代纸艺的复合体验空间。在这里，你能看到各种各样的纸张。有的质地如薄纱，适合放在手帐本里珍藏；有的印满了叶片，简单装裱即是画作般的存在；还有的纹样似皆川明的铃鼓，可作为灯罩的材料......纸张像布匹一样悬挂陈列，纹路得以完整呈现，经过便是一种视觉和触觉的双重享受。

图源小红书@OuiOui

其实创立以来，汇丰纸行经历了几次变迁。最早叫“汇丰新记纸号”，1934年创设于山东中路。彼时山东路纸号林立，汇丰的规模并不算大。但因其靠近外滩，周边金融业与机关大楼集中，纸张常是急需。汇丰靠着送货迅速，渐渐积累口碑，成为当时小有名气的纸张铺。1956年公私合营，汇丰与其他纸号合并为汇丰纸行，迁至现在的福州路，以裱（240-400克白卡纸等）、拖（牛批等拖蜡纸）、切（技工代切）三项为特色占领一席之地，一度被称为“纸张大王”，享誉沪上。时至今日，店内仍能看到当年裁纸的切板。

在孙浚良接手后，这家老店的特色迎来了变化。

他时常在各地走访采购，将各具特色的手工纸带回店里。比起纸张的用途和工艺类别，他更在乎这张纸是由什么植物纤维制成，又以怎样的方式交织成形。因此，在汇丰纸行，有日本代代传承的雁皮纸、尼泊尔专供皇室使用的洛克塔茨树皮纸、古埃及使用的莎草纸，也有来自安徽泾县的红星宣纸——因质地绵韧，常被用于书画创作。在这逛上一圈，对纸的了解便多一分，因此也有网友调侃：“真是叹为观纸。”

尼泊尔毛边姜黄棉布纸图源小红书@Lxuan

除了纸张本身，纸的衍生产品也吸引了很多人。汇丰纸行的前厅长桌上摆满了五彩斑斓的纸花，花蕊和花瓣纹路栩栩如生。细细选上几支，请店员帮忙捆扎成束，无论是赠与他人或放在家里都很浪漫。店里还有用洛克塔茨树皮纸做成的抑菌纸毛巾，用回收的纸浆打造的可降解纸质花盆、纸质茶叶袋、纸质地毯......纸张在这里不再只是文具、工具，更像一种充满无限可能的艺术原料，这是汇丰纸行的魅力。虽是纸行，但有不少人专门来这寻找家装或是艺术创作的灵感。

图源小红书@衔枝collective

过去我们选目的地，看的是风景或地标，但现在越来越多人因为一家店、一种体验而出发。当纸张这种习以为常的物品忽然以不那么日常的方式出现时，我们发现纸的肌理居然能美到这个程度，不输画作；改变纤维形态，纸甚至能做成家用品；而不同材质与样式的纸张，浓缩着一个地方的文化和审美。纸张作为与世界深度链接的媒介，带来了意料之外的愉悦感。因此，走进纸行也成了一件新鲜的、值得专程去的事情。

如今除了汇丰纸行，不少城市都出现了以纸为主题的独特空间。泉州的南兴纸铺是购买闽南伴手礼的新晋去处，售卖的花纸以碎花牡丹、龙凤瑞兽、帆船海浪等闽南日常的图案为主，以繁复花纹和高饱和度色彩呈现。店内还有搭配纸皮做成的“旋转木马”摆件，将花纸裁成小块制成的冰箱贴......苏州的纪艺纸铺，北京的我是楮先生工作室等空间也各有特色。

南兴纸铺内用花纸做的拼贴画

就像孙浚良说的：“我们不可能只靠手机、社交媒体就走完我们这一生，希望更多的人能够感受纸、使用纸、爱上纸。”如果你想走进一个满是纸张的世界，不妨看看你所在的城市，或是即将抵达的旅途目的地，那里，或许就藏着一家这样的空间。

点击下方视频，更深入地走进这些纸行的故事吧！

MINDPARK创意大会 2026，合作招募正式启动

TOPYS. — Thu, 03 Sep 2026 09:13:23 GMT

新一届MINDPARK创意大会，即将开启。

每一届大会，我们都希望汇聚最先锋的创意实践者，从真实经验与一线创作出发，通过分享、对话与全新关系的建立，回应行业正在面对的挑战，激发灵感，创造新的可能性。

而此刻，我们正站在一个新的分水岭：从生产工具到内容形态，从价值判断到生活方式，一切都在经历系统性的重构。当创造的底层逻辑发生改变，过去的答案已不足以应对未来——整个时代的跃迁，正在重新定义创造。

越是这样的时刻，越需要一场深入的对话与分享。

MINDPARK创意大会希望提供这样的交流机会，聚集所有关心创造力走向的同行者，一起探讨创造、商业、城市及生活的未来可能性。

大会筹备现已开启，我们也正在寻找更多合作者。

回应新议题和新需求，新一届MINDPARK创意大会将进行全新升级：

✨ 更深度的互动与参与。将在参与感和互动性上带来更深入的内容体验，更注重真正地“进入现场”，让思考和创造更贴近当下，深入真实挑战，发掘未来可能性。

✨ 从“灵感”到“行动”。更关注创意如何在真实商业中落地、产生长期价值。好的想法值得被听见，更值得被做出来。

✨ 从“一场大会”到“一种生态”。大会始终坚持链接全球创造力与本土商业，这一次，我们希望带来更纵深、更多元的联系，以大会为起点，延展出更多内容、关系与合作，让创造力在大会之后能持续发生。

今年，MINDPARK创意大会将与来自多个领域的先锋实践者，包括文化场馆、新消费品牌、科技互联网企业、设计集团等，以「年度战略合作+课题发起」的方式进行深度合作。

更多合作招募已同步开放，期待与你一起，站在时代的拐点，重新定义创造。

MINDPARK创意大会由先锋创意内容平台TOPYS发起，是中国领先的创意商业大会，以专业性与全球视野见长。自创办以来，大会始终坚持一件事：把全球范围内最有洞察力的创造者请到同一个现场，围绕创意与商业的真实议题，展开前沿而有深度的对话。

大会始终关注行业正在发生的事：

- 2017年，当大家还在探讨创意能否成为一门正经生意时大会以「创意的可能性」追问创造力本身的价值与边界；

- 2018年，城市化与智能技术加速交汇，大会以「未来城市」为核心议题，讨论剧变的空间里人应当如何生活；

- 2019年，新消费品牌集体崛起，当所有人都在追问"怎么卖得更好"，大会从「重塑消费」出发，把讨论拉回到消费与人、与生活方式的真实关系；

- 2023 年，生成式AI席卷而来，大会提出「多重视角多维创新」，在答案唾手可得的时代，打开更多视角，或许就会多一种竞争力……

这里从来不是单向输出的讲堂，而是一个高密度、多维度的创新场域。

论坛、大师班、工作坊、品牌实验室、特展、创意之夜——成熟的内容形式矩阵，让交流以多种方式发生：你既能在台下聆听大师拆解方法论和行业思考，也可以进入大师班和行业先锋深度碰撞；可以在工作坊亲手完成一次小型创作，或在创意之夜的轻松氛围里，与嘉宾和同行延展意想不到的新可能……

所有这些形式，都指向同一件事：把人真实地聚在一起。这也是我们坚持做“大会”的原因。

当技术已经能够在几秒钟内将浩瀚互联网上的资讯压缩进一屏答复中，我们更加确信面对面交流的力量。那些无法被搜索替代的东西——一次即兴对话中闪现的灵感，一段真实相处中建立的关系——更直接的经验互动和即时反馈，往往是孕育创意的最佳土壤。

迄今为止，已有100+位全球顶尖创意大师和机构曾在此登台，包括瑞士顶尖家具品牌USM的可持续发展总监Dr. Thomas Dienes、设计界“创意鬼才”施德明、The North Face全球品牌总监Tim Sedo、顶尖创意制作公司BUCK（《爱死机》幕后工作室之一）执行创意总监Gareth O'Brien、国际建筑及创新事务所CRA - Carlo Ratti Associati创始合伙人Carlo Ratti、全球知名广告公司W+K、沉浸式数字多媒体先驱工作室Moment Factory……他们带着真实的商业感悟与创意实践，在这里和所有与会者展开坦诚的交流。

顶尖品牌与设计咨询公司COLLINS创始人及CEO Brian Collins在参与大会后感慨：“我无法只用‘精彩’来形容这次经历，我需要用‘疯狂’来形容！在这，没有人在等待奇迹的发生，他们在创造奇迹，创造属于他们自己的未来和希望。”赫尔辛基设计周主席Kari Korkman也曾评价大会道：“MINDPARK代表了中国新的一面，前瞻、新潮，相信这里将展开全新格局。”

而作为发起方，TOPYS深耕创意内容领域二十年，累积原创内容3万+、全球读者近300万、合作品牌200+，对“好内容”与“好创意”的扎实判断力，正是这场大会专业性的基石。与此同时，大会参与者以品牌与创意营销决策者为核心，广泛覆盖科技互联网、城市运营、地产金融、文化教育等专业人群。

这绝对算得上业内最具前瞻性和深度的现场之一。

伴随新一届MINDPARK创意大会筹备启动，我们的大会合作方招募也同步开启。

在这里，合作不是简单的“logo露出”，你将成为大会内容的一部分，深入行业前沿议题，和嘉宾及专业观众一起探讨、模拟创作与创造的未来。

“实拍狂魔”诺兰可不是一个卢德分子

毛毛.G — Mon, 31 Aug 2026 03:44:33 GMT

每上映一部电影，都几乎能成为一场全球文化盛事。世界范围内，能做到这样的导演并不多，诺兰算一个。《盗梦空间》《星际穿越》《敦刻尔克》《奥本海默》，再到此刻正热映的《奥德赛》，不管你是不是一个电影迷或者诺兰粉，相信这些电影你都有所耳闻。

这些作品，每一部单拎出来都是制作费上亿美元的大制作。但“大制作”这个词，放在诺兰这儿，并不是我们习惯里默认的使用了烧钱的特效，更多时候，它指的是在并不太适宜的土地上种500英亩玉米、搭一个能360°旋转的酒店走廊、烧掉一架真飞机、炸翻整个橄榄球场……在这个特效技术出神入化的时代，诺兰却偏爱实拍。哪怕是外星球、原子弹爆炸这些看似根本无从实拍的场景，也要想办法实拍。他也因此喜获“实拍狂魔”的称号。

私下里，诺兰也过着一种常人看来近乎“反现代”的生活：不使用智能手机，仅在旅行时带一部老式翻盖手机，片场也严禁所有剧组人员用手机；不发电子邮件，重要的邮件内容需打印成纸质版看，他自己也曾直接把剧本送到演员门口；创作时使用的是一台不联网的电脑……

这似乎是一个非常“老派”的人，在身体力行反抗整个科技时代。可是，如果你更深入了解这些行为背后的出发点和思考，会发现这位自愿生活在数字世界之外的大导演，确实如他自己所说，并不是一个“卢德分子”。

实拍，不仅仅是一种手法

加拿大传播学家马歇尔·麦克卢汉有一个广为人知的理论：“媒介即讯息（The medium is the message）”。媒介本身会影响我们感知内容的方式和角度，因此，对工具的选择，从来不是中性的。一个导演在数字与胶片、CG与实拍之间的取舍，并不是单纯的技术偏好，更多时候能反应出他的立场、态度和电影观。

对诺兰来说，他把电影视作日常生活中的一个仪式——观众走进电影院，在黑暗中沉浸于同一个故事，而后相互分享。在他看来，这是电影独特的魅力，一种在今天仍旧能把大家连接在一起的公共性。而电影工作者，有责任在参与这个“仪式”的过程中，让电影具备某种真实的触感。因此，对实拍的坚持，不是对数字技术的排斥，而是诺兰的电影观导向的必然结果。

我们正身处一个数字技术高速发展的时代，电脑有能力“创造”几乎所有我们想象中的场景，且难辨真假。而技术愈是精密，在诺兰看来，某种能被人们闻到、尝到、触摸或看到的东西就愈有感染力。他曾在采访中提到：“电脑图像对我而言有点‘无痛’……往往缺乏威胁感。真实世界的影像，真实世界的东西，自带一种‘咬劲’。”在拍摄《奥本海默》时，要再现著名的“三位一体”核爆实验。如果说过去炸掉一座废弃医院或一架波音747还尚属可操作范围，那核爆这种毁灭级事件，再怎么想也只能借助特效或者直接使用历史纪录片画面？

《奥本海默》拍摄现场。

但诺兰还是要实拍。团队混合使用镁照明弹、汽油、黑火药等进行远景爆炸效果的拍摄，同时，结合微距拍摄来实现蘑菇云翻滚、粒子扩散的效果。在他看来，特效当然能做出足够“完美”的蘑菇云，可是技术同时也提供了一种“安全感”——大家知道那是假的——进而也无法感受当中巨大恐惧感和威胁性。

除了场景传递的真实感外，身处其中的演员切肤的感受，也是诺兰坚持实拍的另一重原因。和诺兰合作《奥本海默》的演员基里安·墨菲就曾说，如果想从演员那儿得到最真实的反应，就要让他们真正到大海里或喷着火的飞机上去，这样观众就一定能体会到演员所感受到的真实状况。

《奥德赛》中，参与木马戏的演员挤在逼仄的木马装置里、泡在刺骨海水中用芦管呼吸，一如当年藏身木马里的希腊人一样。当中令人压抑窒息的感觉，几乎不用演，身体本能会给出真实的反应。在一次采访中诺兰甚至半开玩笑地回忆，拍摄木马内戏份时，他不敢让演员们出去，“一旦他们出去，就绝不会想再进去”。好在，最后大家一次性拍完了所需镜头。

诺兰曾在接受采访时表示，拍摄《奥德赛》最大的挑战，就是如何让今天的观众相信两千多年前的盲眼吟游诗人唱诵的这个故事是真的。他的答案，或者说答案之一，便是通过实拍带来更真实的触感。不管是波塞冬愤怒掀起的巨浪、独眼巨人的洞穴、还是冥界，他相信观众能够透过镜头分辨影像的真假。

所以，诺兰可不是一个“反科技”的卢德分子，相反，为了实现IMAX胶片实拍，他不得不动用各种科学和技术力量：化学、机械、物理特效装置等等。为了实现手持动态和文戏拍摄，诺兰推动摄影器材厂与技术团队不断改装、减重，优化了原本笨重、噪声巨大的IMAX摄影机，使其能够进行运动拍摄和面对面文戏拍摄。在拍摄《奥本海默》时，他们和柯达（Kodak）公司合作，实现了历史上第一次在大画幅65mm/IMAX 胶片上进行黑白负片拍摄。

他的理念是让技术去做技术更擅长的事。他认可计算机生成图像是一种制作更佳视觉效果的强大工具，只不过，如若当中全部是虚拟效果没有任何实拍，最终还是会让人感受到某种虚假。因此，诺兰当然不是100%不使用后期特效，只是他会尽可能先实拍，再结合后期。比如《奥德赛》中，奥德修斯一行人在海上遭遇的那个巨大漩涡，就是“实拍+后期”的效果：先让摩托艇在海面上绕圈跑制造出边缘的浪花，再用后期图像技术，顺着摩托艇制造的浪花和水纹，将它“变”成一个更逼真的海上漩涡。

或许，更能说明诺兰这一创作理念的是他2014年的电影《星际穿越》。当中的黑洞“卡冈图雅（Gargantua）”是完全用CG制作完成的。电影制作过程中，诺兰团队找到了理论物理学家、后来的诺贝尔物理学奖得主基普·索恩（Kip Thorne），由后者担任科学顾问提供理论支持，帮助特效团队制作黑洞画面。要知道，电影上映四年多之后，人类才首次拍摄到真实的黑洞照片。诺兰眼中，即使画面无法实拍，也至少要“建立在真实物理之上”。

“又笨又聪明”的经典实拍场景

因为热爱实拍，很多时候诺兰电影花絮的精彩和趣味程度完全不亚于正片。除了大手笔的购入一架真飞机然后炸掉外，他会用各种或充满想象力或充满胆量的方法，来实现自己的视觉效果。这里，我们简单罗列一些他最近拍摄的5部电影中的幕后趣事，来看看诺兰都是如何“又笨又聪明”地完成实拍的。当然，中间也有一些“无心插柳”。

《奥德赛》（2026）

“真实”的独眼巨人：“饰演”独眼巨人波吕斐摩斯的是一个约18米高的巨型机械人偶，曾经参演《星际穿越》TARS机器人的肢体表演大师比尔·欧文则负责具体的动作和声音演出。拍摄期间，这两位巨人演员同时在场，确保出演奥德修斯一行人的演员们能够真实地与一个“巨怪”对戏。

当然，最后你在大荧幕上看到的巨人，还是经过了后期加工，让它看起来更加逼真。

波吕斐摩斯的山洞也是剧组找的一个真山洞。据说，每天拍摄大家要步行45分钟前往。

视觉差下的“巨人”：除了波吕斐摩斯，奥德修斯一行人还遭遇了巨人族。而拍摄巨人族时，诺兰没有再“造人”了，他采用了一种更加聪明的方法——对比。他找了身高2米多和1.5米左右的两组演员，通过强迫透视，一种利用视觉错觉让物体看起来比实际更大、更小、更远或更近的技术，营造出了巨人族高大无比的效果。

意外入镜的海豚：《奥德赛》最常被提及的实拍场景之一便是真实的海上拍摄。诺兰直接造了艘百吨重的大木船，然后一船人拉到海面上去拍摄。他还要求演员们像千年前的水手和士兵一样，人工划船。而就在他们于苏格兰莫里湾拍摄期间，一群野生海豚意外入镜，在船前跃动。团队捕捉到了这一幕并将它用在了正片中。这是绿幕棚拍永远无法计划的美妙时刻。

海豚固然美妙，但船戏也并不好拍。颠簸的海浪让一些演员严重晕船，据说也被诺兰拍下来了。

《奥本海默》（2023）

“三位一体”核爆实验：手搓核爆大概是诺兰实拍纪录中难以绕过的一个。视效团队在新墨西哥州的沙漠里竖起30米高的铁塔，用黑火药、镁溶液、汽油、甚至乒乓球作为素材，经数月实验，再现了一场视觉上足以乱真的原子弹爆炸场景。拍摄本身就是一场规模惊人的工程实验。连爆炸的声音都经过精确计算：因为光速远快于声速，真实的核爆在远处观看时会先看到闪光、约25秒后才能听到巨响。这个时间差都被诺兰如实还原了。

诺兰团队利用爆炸的乒乓球和燃烧的花盆等来营造原子弹爆炸的效果，包括亚原子粒子的呈现。

当然，所谓“零CGI”并不等于“零视效”。影片视效总监安德鲁·杰克逊透露，全片实际有约200个视效镜头。但它们的主要任务是将约400个实拍素材元素进行数字合成和叠加。

《信条》（2020）

炸掉一架真飞机：该片有个飞机装进机库而后爆炸的镜头。诺兰原本打算用“缩微模型+特效”来完成。但剧组在美国加州维克托维尔机场勘景时，发现了一大批待处置的旧飞机。大家算了一笔账，发现买下一台飞机实拍，竟然比建造模型和全尺寸内部立体布景更节省成本。于是，便买下一架波音747客机。

诺兰笑称这是“一次冲动购买”，但效果非常好。

《敦刻尔克》（2017）

拯救泡水胶片：片中战斗机被击落的戏份，剧组造了一个全尺寸的战斗机并让它真实迫降在水面上。为让观众更有代入感，他们把装有防撞和防水外壳的IMAX摄影机绑在飞机上进行拍摄。按原计划，飞机“迫降”后能在水面漂浮一段时间，但实际拍摄中，它意外地瞬间沉入海底。导致摄影机和胶片匣在水底浸泡了90多分钟才被潜水员捞起，防护壳因水压受损，海水和泥沙灌入了机器内部。

剧组立刻给洛杉矶的实验室打电话求救。而后，他们采用了一种传统的胶片应急物理保护措施：让胶片保持潮湿状态，连水一起密封，立刻运回洛杉矶的实验室，在胶片变干、盐分结晶或霉变损坏乳剂之前紧急冲洗。最终那个镜头不仅被成功抢救，还用在了电影里。

摄影指导范·霍特玛后来回忆：“如果是数码摄影机拍摄，这些素材肯定都完蛋了。”

被绑在机身上的IMAX相机拍摄的画面之一。

《星际穿越》（2014）

在地球上实拍外星球：诺兰之所以被称为“实拍狂魔”，估计很大一部分原因在于，一些不可能在地球上存在的场景，它也要尽量实拍。比如片中那颗冰天雪地的曼恩星并非绿幕制作，而是在地球上一个真实存在的地方——冰岛 Svínafellsjökull（斯维纳山冰川）拍摄的。诺兰带着全剧组飞到冰川腹地，在零下的暴风雪中实景拍摄。为了把设备运上冰川，剧组还启用了特制的重型全地形越野卡车和特种运输机械来开辟临时便道，演员和工作人员在极寒中完成了大部分镜头。

生造“五维空间”：主角库珀坠入的超越三维的奇特空间——“超立方体空间”——也是诺兰在我们这个三维世界中，通过搭建真实场景拍摄的。剧组在片场搭建了向三个方向延伸的走廊结构，为了表现“同一空间在不同时间点的无限延伸”，他们设计了多层、网状交错的立体结构，让实景书架层层叠叠向远处排列。利用实际的物理距离和倾斜角度，配合特制的摄影机轨道，让演员在真实的物理空间中穿行，从而捕捉到真实的阴影、反光和空间质感，以及演员更真实的反应。

饰演男主库珀的演员马修·麦康纳被吊在空中，在剧组搭建的“五维空间”中穿梭。

种了500英亩玉米：相信这个故事很多人都知道。为了让“枯萎病席卷地球”的末日感真实可信，诺兰真的在加拿大卡尔加里种了500英亩玉米。剧组提前半年下地耕种，等玉米长到一人高，再进行拍摄。这个故事最有趣的或许是，最后他们把玉米地的收成卖了出去，据说还小赚了一点钱。

造梦并没有唯一的途径

诺兰自认为是一个“filmmaker”，电影制作者，而不是“artist（艺术家）”。后者在我们看来，似乎更看重创作的灵感和想象力，而前者的中心则更多在“make”上，暗示着一种类似匠人般一手一脚干活的工作和创作状态。从他对自我的定位出发，或许更能理解他在今天这个时代，对实拍的坚持。早在CG出现之前，几乎所有银幕奇观，都是电影人靠光学、机械、视觉差和身体“实拍”出来的。

1957年，苏联导演卡拉托佐夫的《雁南飞》中，有段被电影史反复致敬的奔跑戏：女主薇罗尼卡在得知恋人死讯后奔跑上街头欲寻短见。今天看来这个场景或许稀松平常。但试想在一个没有斯坦尼康、没有更多特效技术的时代，导演和摄影师完全依靠摄影技巧和置景——长焦镜头压缩空间深度，前景的栅栏和树木快速向后移动——拍出了女主始终在画面核心位置同时飞速向前狂奔的画面。镜头下，她仿佛跑得比身后奔驰的列车还快，内心濒临崩溃的状态被展现得淋漓尽致。

而更为人熟知的，也是诺兰时常致敬的当属库布里克的各种“骗术”。1968年的《2001太空漫游》，为呈现太空舱内人工重力的效果，库布里克花了75万美元，造了一座直径约12米、重30吨的旋转离心机，可以像仓鼠轮一样转动。演员在里面行走、表演，最终呈现在银幕上的，便是令人信服的“环形行走”。诺兰后来公开承认，《盗梦空间》里酒店走廊打斗戏的拍摄灵感来源于此。

库布里克为《2001太空漫游》搭建的巨大“仓鼠轮”。

诺兰为拍摄《盗梦空间》造的能360°旋转的“走廊”。囧瑟夫那场经典打斗戏，一部分就是在这个大滚轴里拍摄的。

电影工业技术的不断进步，CG技术的出现，以及当下AI的发展，似乎让人类这趟大荧幕“造梦之旅”变得越来越容易。电脑能够生成各种“完美”的画面，但正如木船上演员们真实划船时展现出的费力感和海湾中意外闯入的海豚，数字世界还无法完全复刻人类本能中最细微的反应（不管生理还是心理），也很难判断大自然会给予怎样的反馈。

很多时候，诺兰和他的团队不是在“造”一个故事，更像是在“记录”，把现场真实发生的事，比如女巫亲手把人捏成猪，用镜头记录下来再现给观众。他想讲一个“真”故事，而不一定是一个“完美”故事。这或许也能解释，为什么今天手作越来越流行，那些真实走进现场的内容更加受欢迎。因为当你知道技术可以为你轻易造出一切后，人们反而更渴望看到凭借自己双手能够打磨出怎样的作品，想知道这个世界真实在发生的事是怎样的，哪怕成品是有些粗粝的，哪怕现实没有那么多戏剧性，但你相信它们确实是存在的。

饰演女巫喀耳刻的萨曼莎·莫顿在演练如何把人“捏”成猪。这些场景全部是利用模型实拍完成的。

不过，回到电影叙事。实拍是诺兰的选择，是他电影观的反映，却也未必是唯一的途径。导演贾樟柯最近一次谈到自己与AI视频生成工具Seedance合作短片遭到质疑时说，他并不认为只有实拍电影才是对世界的反映，“宫崎骏的卡通电影、特效电影都是对真实世界的反映。对世界的反映，并不等于只能用写实的方法来呈现。”这似乎回到了麦克卢汉的理论，我们对工具和媒介的选择，实际上已经是一种表达。创作最终的目的是反映人类真实的体验、经历、情感……你如果感受到了，不管是通过诗人的唱诵还是亲眼所见，或许那都可以视作是一次成功的创作。

NOT A HOTEL、MoN高轮......创意鬼才小山薰堂又跨界了

变身7 — Fri, 28 Aug 2026 03:23:03 GMT

你知道吗？风靡全球的IP熊本熊、福冈NOT A HOTEL、东京MoN高轮，都和同一个人有关，小山薰堂。从早期的电视节目编剧，到凭借《入殓师》拿下奥斯卡，再到打造国民IP熊本熊，随后担任老字号怀石料理“下鸭茶寮”的经营者，如今又迈向空间营造领域，他一直在探索文化与商业交汇的可能性。

而这些尝试，都可归于两个字：幸福。

小山薰堂每次做企划时，都会扪心自问三件事：这是新的吗，是否有人做过？这有意思吗？第三，也是最重要的，这能让谁得到幸福？

他曾在MINDPARK创意大会上说：“ 创意的存在，既不是为了表现自己，也不是为了赚钱，而是为了创造幸福。对于创意人而言，幸福就是想出让人幸福的创意。”无论是创造出吉祥物熊本熊，让熊本县民重新发现那些“因为理所当然而忽视掉的身边的幸福”；还是自己酷爱的泡汤变成一种“道”；抑或是最新打造的MoN高轮博物馆，他一直在践行这个理念。

除了工作项目，小山薰堂同样把“创造幸福”带入日常。在公司内部，他提倡员工用创造惊喜的方式庆祝生日，既能练习策划能力，也能促成更融洽的共事氛围。他曾经伙同全公司帮副社长轻部政治先生策划生日惊喜，结果假戏真做，直接孵了个名为“CHALIE VICE”的时尚品牌！

总之，“幸福”可以说是小山薰堂一切创意的原点。今天我们就来看看他这些年的跨界新作是如何带来幸福的。

MoN高轮：叙事艺术馆

与NEWoMan高轮相邻，将文化传承百年

位于东京的“高轮Gateway City”，曾是停放着数百辆夜行列车的基地，如今被铁路公司JR东日本改造为一个面向未来的实验场。东京新晋地标NEWoMan高轮便坐落于此。虽定位为商业设施，却更像一座让人愿意停下来、多待一会儿的“城市”。

2026年3月，这片街区的文化设施MoN高轮正式开馆，由小山薰堂担任总制作人。“MoN”一词兼具日语中“门”与“问”两层含义，象征这里是连接人与文化的“大门”，也是向未来不断发问的起点。

“一起来吧，努力编织一个从日本到世界、从世界到日本的故事圈，以便将其传承给下一个100年。”正如小山薰堂所说，MoN高轮以“将文化传承百年”为使命，跳脱传统美术馆与博物馆的常设展模式，每年发起两次不同主题的提问，并据此策划跨越艺术、科技、传统、娱乐的跨界项目。

开馆首展的主题便是“Life as Culture（活着就是文化）”，向32位日本当代艺术家、创作者与研究者，提问“你想在100年内留下什么文化？”

开馆之际，馆内举办了“MoN祭”开幕文化节。期间为纪念熊本地震发生10周年，小山薰堂特别策划了“熊本复兴文化节”，呈现了多种熊本本土文化表演，并设有熊本特产市集。“在紧急情况下，文化和娱乐常会被推迟，但我相信，文化才是希望之灯。”这正是他发起本次活动的初衷，希望给熊本县带来继续前行的勇气。

NOT A HOTEL FUKUOKA

给生活创造留白的城市度假公寓

位于福冈市中心，是NOT A HOTEL公寓式酒店的首个城市据点。秉承“living like traveling（像旅行一样生活）”的概念，整座公寓在保持统一感的同时，打造了八间各具特色的房型。

比如，SOUND以极致影音体验为主，打造沉浸式视听空间；DESK则将工作与休憩巧妙融合，并配备私人桑拿......小山薰堂通过为每个空间注入独特的主题与功能，在都市中创造出宛如山中隐居般的宁静体验。

NOT A HOTEL FUKUOKA +SOUND

NOT A HOTEL FUKUOKA +DESK

汤道（Yudo）

将泡汤升华为“道”的日本特色文化体验

“对我来说最大的幸福，就是泡澡。”

酷爱泡汤的小山薰堂，于2015年创造汤道，将温泉入浴从日常小事打造为像茶道、花道的日本代表性文化体验，向世界传递泡汤的魅力。他将“作法”、“汤道具”、“汤室”定义为汤道的三要素。其中，“作法”指入浴前后的仪式。他从入浴会接触的物件出发，归纳出“合掌”、“衣隐”等九个步骤，引导人们有礼有序地泡汤。

小山薰堂希望借汤道来振兴日本传统产业，发扬当地传统工艺。

从存放衣服的藤编容器到木桶乃至饮水杯子，他尽量采用与传统工匠们合作打造的汤道专属工具。“传统器物或许难有很大的市场，但可以逐渐改变人们对它们的使用观念。比如说，这些原本放在浴室商品区的工具，随着汤道的建立，可以转为生活风格用品，或是汤道的专属器物，它的价值就提升了。”

在“汤室”方面，他持续记录在各地温泉或汤室的经历与观察，更在宫崎县打造了示范汤室“OYUNOMIYA”，身体力行地推广泡汤文化。

当一切都可以被技术轻易制造，创意人靠什么创造，又需要创造什么？

将“幸福”置于首位的小山薰堂是这样回答的：“发现自己遗漏过的幸福，我认为是最幸福的。技术不断发展，世界变得越来越方便了。但方便不一定就是幸福。比起发明绝对不会让人淋湿的雨伞，能让人们觉得下雨太好了的策划，更有价值。”汤道振兴传统泡汤文化，NOT A HOTEL重新定义居住方式，MoN高轮融合多元文化......他所创造的，始终是一种更面向未来、也令人更幸福的生活方式。

而他之所以能从事这么多的兴趣爱好并把它们发展成各门事业，不过是循着初心而已。

“最开始我并没有想做很多事情，也不想跨很多行业。我只是觉得我的精力非常旺盛，对很多事情都相当感兴趣。我做每件事，都会尽量做到极致，这是我的风格。”

问就是备战奥运，这届年轻人开始“花钱买虐”

变身7 — Wed, 26 Aug 2026 02:44:51 GMT

去年8月，姜思达在参加完HYROX北京站后写道：“有评论说这类活动是一种‘高级的苦力’，我想它甚至也不高级：诚实地盯着自己的身体的全貌，看向每一处肌肉和关节的深处，很难说‘高级’。只是这种实验后的自觉，你必对自己的身体疆域有更清晰的描绘。我想它是‘清醒的苦力’。”这番描述，应该是很多HYROX爱好者的心声。

姜思达深圳站完赛

这是一项公认“痛并快乐着”的赛事，近800的报名费加上多项目的比拼模式，足以让你的钱包和体能都付出不少，但越来越多的人主动“花钱买虐”。2024年HYROX北京站参赛人数不足1700人，次年同一赛场激增至4700。前不久的深圳站，报名人数破万，观看席同样人头攒动，场馆被戏称为“全城气血最足的地方”。与此同时，越野跑、尾波冲浪、动物流等新型城市运动亦在遍地开花。

当“锻炼身体”不再是唯一诉求，这些运动为何让人如此上头，又是怎么从一项爱好演变为当代年轻人不可或缺的生活方式？

HYROX，全民马拉松的2.0版

本质上，HYROX并非一项运动，而是一场赛事。

2017年，德国企业家斯蒂安·托茨克和奥运会曲棍球金牌得主莫里茨·富尔斯特发现，即使全球有数以亿计的健身者，却没有一场真正属于他们的赛事，于是创立了HYROX。全称Hybrid Fitness Race，即混合健身竞速赛。

顾名思义，它把8公里跑步和8项功能性训练结合在一起，每跑1公里就穿插一个体能项目，依次为滑雪机、推雪橇、拉雪橇、波比跳远、划船机、农夫行走、负重箭步蹲和药球投掷。这些大多是日常健身常见的基础动作，综合考验力量、耐力、爆发力和协调性。

虽然和CrossFit同属混合体能运动，但玩法不同。如果说CrossFit是一场需要全方位准备以应对未知的突击考试，那HYROX就是一场早早圈定考试范围的开卷考。赛制固定且全球统一标准，经过短期针对性训练就能完赛，成绩可以直接在全球范围内进行排名。组队赛制更允许队友间互补短板，进一步降低了参与门槛。

因此，HYROX被认为是“健身界的马拉松”，有着向“全民运动”跃升的潜力。

HYROX的变现模式同样直接。以深圳站为例，单人报名费已从以往的699上调至799，双人和四人组队价格也同步上浮。即便仅以观众身份入场，也需购买80元门票。算下来，单场赛事的报名费及门票收入即可达到数百万元。现场还提供官方摄影服务，选手可付费购买参赛照片，单张定价120元。

品牌赞助方面，虽然冠名费未有公开数据，但仅从淘宝闪购、图拉斯总冠名单站赛事到PUMA、众安保险、STANLEY水杯、小红书等不同领域的品牌出现在现场展位内，不难看出HYROX强大的吸金能力。这也造就了HYROX赛场上一道独特的风线：几乎所有选手身上都贴满了品牌的纹身贴。由于比赛强度极大，多数人选择轻装上阵，男选手更是直接赤膊，天然成为了一块块野生的移动广告牌。不少品牌还自带专业摄影师到场，专门抓拍那些贴着自家纹身贴的选手，且照片往往是免费的。这反过来鼓励了不少选手主动“上身”品牌。

但在整套变现体系中，更值得一提的是HYROX的健身房授权模式。授权场馆只需满足空间和器械要求，并缴纳一定年费，就能获得官方背书，开办标准化的训练课程，并成为选手赛前进行体能测试和训练的指定场地。截至目前，全球合作健身场馆已超过10,000家，国内也已突破500家。作为新兴运动，HYROX凭借这套课程授权分发与分站租赁场地的轻资产模式，迅速实现规模化普及。

超级猩猩携手PUMA举办HYXOR训练营

不过品牌和资本争相入局的原因，远不止这些。这届年轻人之所以心甘情愿拿出近800块参赛，背后藏着更值得深究的心理动机。

每个单身的人，都在备战奥运

曾几何时，问朋友在干嘛，得到的回答多是约会、聚餐或是宅家看剧打游戏。如今问起，即使不是HYROX这类高强度项目，也多半与运动有关。“一周五练”从调侃变成日常，“备战奥运”成为当代单身人士最爱的人设之一，一切其实有迹可循。

“运动分泌的多巴胺仅次于谈恋爱”，是，也不全是。

多巴胺本质是一种“奖赏预测”分子，当你期待完成某个目标时，大脑便会分泌这种神经物质以帮助你继续下去。因此运动时，人们常常会感受到一种沉浸式的快乐。而这些付出也会随着时间积累，肉眼可见地体现在气色、身材以及个人社交账号上。无论是平日训练时的大汗淋漓、日复一日的坚持打卡，还是正式赛场上的极限拼搏，统统都是可记录、可展示的素材，能帮你立住一个富有生命力的自律人设。多数时候，人们并不会认为这是刻意摆拍，而视之为值得被认可的社交货币。

于是，一批年轻人开始爱上运动。它不像工作和爱情那般充满“玄学”，而是有着明确的目标和清晰的进阶路径。

但一项运动若想成为潮流，还需在各环节发力。就拿HYROX来说，赛制上，它将传统单项拆分成跑步与不同功能性训练的组合，选手可精准计算每分段配速以针对性提升。同时不设关门时间，让绝大多数人都能达到完赛目标。现场允许并鼓励拍摄那些汗水淋漓、充满力量感的瞬间，经由社交媒体放大，被更多人点赞和关注。

某种程度上，它实现了那句“只要你努力，就一定会被看见。”对于这个时代来说，这是一项罕见的、具有确定性回报的投资。此前火爆的运动赛事，出圈路径大抵相似。

那么多运动，为何“大众”的偏偏是它们

从越野跑、飞盘、冲浪再到如今的混合体能赛事，和时尚界潮流一样，每隔一阵便会刮起一阵风。它们的生命周期或长或短，但多少都踩中了当下年轻人的情绪。

起源于上世纪的飞盘，前几年在国内迅速破圈，小红书数据显示，仅2021年“飞盘”相关内容的发布量就同比增长6倍。当时正处疫情特殊时期，人们迫切渴望户外社交，飞盘这项需要队友间紧密协作的运动便脱颖而出了。

随后，同样低门槛、强社交的腰旗橄榄球吸引了年轻人的目光。它由美式橄榄球改良而来，像一场绿茵场上的国际象棋，无需将对手撞倒，但要快速排兵布阵、做出判断。对于那些想认识朋友，顺便小动一下的人来说，是替代传统足球、篮球等更高体力的运动项目的优选。

在水上运动领域，结合冲浪和单板滑雪的尾波冲浪则在这两年，让许多人跃跃欲试。造浪艇在行进中制造出持续的人工尾浪，冲浪者借助一根牵引绳起水，稳定后即可松开绳索并在浪壁上自由滑行。虽然费用高于传统冲浪，但你不用苦练抓浪，只用掌握站板和起水的基本技巧，就能感受户外的魅力，并轻易拍出在浪面上驰骋昂扬的大片。

如今，运动边界已拓宽许多，不限于热血和刺激。随着疗愈经济的兴起，侧重身心连接的运动逐渐升温。即便是大众熟知的瑜伽，也衍生出诸多分支。其中，动物流与瑜伽同源异流。参与者通过模仿动物的行为动作，锻炼全身肌肉，或静或动，与古代五禽戏异曲同工。狂喜舞蹈则更为自由，没有固定的舞步，只需跟随音乐的指引随意舞动、行走或静坐，又被称作“律动冥想”。纵然形式各异，但都在追求对身体的控制。

动物流图源小红书@迎迎（康复版）

而这些流行运动都存在一些共性：精准回应当下的情绪需求；兼具观赏性和分享属性；能在快节奏下提供一种难得的心流时刻。锻炼身体外的收获，让它们从单纯的运动晋升为一股潮流。从这个角度来说，众多品牌争相涌入的现象便不难理解，它们看中的是每一个细分生活方式赛道后的新人群与新场景。

HYROX虽是体能赛事，参赛者却从16岁横跨至80岁，颇有全民化的势头。然而与马拉松一样，它看似门槛友好，但作为竞技性极限运动，实则有一定风险，因突击应战而遇到横纹肌溶解等问题的并非个例。与此同时，另一混合体能赛事ATHX也官宣进入中国市场，将于2027年开赛。

诚然，人们对运动的热情从未消退，资本与品牌已视其为必争之地。只是，这些快速涌现的项目本身，是否能支撑其迅速普及甚至成为全民赛事的野心？泼天的流量能否能沉淀下来？最终哪些能被大众真正且持久地接纳？这一切依旧未知。

商业空间的差距，在于文化扎根的深浅

TOPYS. — Mon, 24 Aug 2026 06:54:23 GMT

今天的消费市场，无论是综合商业体还是品牌，都在试图通过重塑空间，找到与消费者对话的新链接。

2025年数据显示，非标商业客流量增速达到18.7%，远超传统购物中心5.2%的增长水平。在这股热潮中，35岁以下的年轻人贡献了72%的客流。走入实体商业的消费者，早已不再满足于单纯的购物，而是在寻找一种与品牌、与城市对话的新方式。

热潮之下，大量“无效操作”也相继浮现：空间很美，但叙事空洞；活动很多，但调性割裂。文化和内容成为了一种流量手段，而今天的消费者已经很难被浮于表面的“贴牌文化”打动了。一时的新鲜感会快速褪去，热度也就随即土崩瓦解。

品牌和商业空间要如何做，才能让文化真正渗透到自身表达中，形成可持续的输出，而非一剂短效的兴奋剂？

今年年底，深圳后海即将开幕的小体量商业M80，便试图探索这个命题——商业空间与文化、城市的关系——M80 Voice系列对谈便是这个探索过程的一部分。

对谈第三期邀请了四位来自产业不同领域的嘉宾——全球资深零售战略人赵炜、雀亦品牌创始人顾黎、B1OCK主理人Alessio Liu、Ontimeshow创始人顾叶丽——从他们的品牌实践出发，聊了聊“品牌如何通过空间塑造文化、做好文化，并进入日常”。

当“文化空间”成为标配，怎么做才能建立差异

在今天消费环境，文化对品牌的价值已经毋庸置疑。因此对谈探讨的核心不是“做不做”，而是“怎么做”——为什么有些品牌和商业空间能够成立，有些却总给人一种浮于表面的感觉？

对此，赵炜提出了一个关键区分：情绪价值与情感价值。“现在所谓的消费降级，实际上是消费者不愿意再为廉价的情绪价值买单。”在他看来，情绪价值是即时的、短暂的，情感价值虽需要长时间的培养，可一旦形成，极为持久。

这或许能解释，为何今天品牌通过各式联名、快闪来进行“文化表达”，但真正能沉淀为品牌资产、被消费者记住的内容寥寥无几。许多内容实际制造的只是即时情绪刺激——消费者可能会为一次联名IP付费、为一次出片买单，但这个过程中，品牌自身反而容易被这些表面内容遮蔽。

漂亮的流量数据流向的是联名IP，聚在快闪店里的多是一次性过客，难以转化为品牌的忠实用户。问题的症结不在于情绪本身，而在于只有情绪而缺乏情感。

意识到个中区别的品牌方、主理人或运营者已经开始不一样的尝试。

顾黎在谈到做雀亦的过程时，对“如何用文化”这个问题给出了一段坦诚的反思。她最初走进贵州村寨，更多是被当地手艺打动的一种直觉。团队带着宏大的愿景，建起车间，想要和当地人合作做高级定制、重工服装，进行规模化标准化生产，“几年下来，阿姨们一件衣服没做出来，倒是做出了一大堆小东西。”于是他们在城里开出一个空间，把这些小玩意儿拿出去卖，原是为了维系车间正常运转，却无心插柳有了雀亦。

©️ ASPIR雀亦

这个过程中，顾黎逐渐意识到，文化进入产品的途径，不仅仅是提供一个符号，更重要的是建立体验。“用文化”的本质，是“养文化”。

她说，如果只是把文化当做传播素材，它一定会被用完，但如果将其视作一种生产工具，让它持续做内容输出，就会产生发酵效应，源源不断地为我们产出更多的有趣的产品和内容。

在她看来，一种民艺或民间生活方式能够延续下来，必然有它们独特的长期主义魅力，而雀亦在做的就是理解它们、拆解工艺、建立素材库和品牌档案……把文化当做实现产品的路径，而不仅仅是“拿来用”。

这种思路具体到一个物理空间，就变成了赵炜提出的另一个问题：品牌在做空间时，是先搭舞台还是先写剧本，“场景相当于是剧本，空间相当于是舞台。如果你没有准备好剧本，就先去做舞台——舞台很华丽，搭得非常好，但剧本没想好，出来之后围绕着舞台去写剧本，这种成功的概率相对低。”

只是复制某种热门空间风格，几乎是多数失败商业空间的通病之一。只照搬了成功空间的外壳——工业感装修、露营场景、大型打卡装置等——却缺少内在统一的文化逻辑：招商品牌彼此调性割裂，举办的活动与空间气质无关。消费者获得的体验是碎片化的，难以形成对空间的完整感知，更谈不上情感共鸣。

说到底，文化不是装饰品，而应是空间生长的根系，先厘清思路，深入理解你想要讲述的文化本身，写好“剧本”，再搭建舞台，才有可能获得想要的结果。

从场景到日常，空间是最佳的文化叙事载体

文化表达的方式很多，而空间这一载体，有其难以替代的独特性。

顾叶丽从她服务独立设计师群体的经验出发，给出了一个基础判断：“如果只是通过一个单品去做完整的故事叙述，力量是相对薄弱的。但当你有一个完整的空间，它就可以把整个品牌的创作群体背后想要阐述的故事、线索和脉络，相对完整地呈现出来。”

©️ Ontimeshow

空间不只是用来陈列、展示产品的，它是品牌文化的“讲述者”。

对买手店B1OCK来说，空间几乎是他们与用户沟通的最核心要素。主理人Alessio说：“我们希望客人来线下，跟我们的销售、艺术家等有更好的接触，能够感知每件商品背后的东西。当你了解更多，再去看一件物品，感受是完全不同的。”

在杭州天目里，B1OCK拥有6000㎡共十层的空间。里面没有统一的基础装修或标准化道具，所有陈设都是与艺术家合作完成的，力求让空间自带强烈的艺术气息，营造仿若逛美术馆的感受。而这座“美术馆”里，很多“展品”实际就是B1OCK的商品。

©️B1OCK

“我们没有在空间中强调品牌，你几乎不会看到各种logo”，Alessio说：“我们也没有特意区分男女装，更多是让它们混合在一起。”在这个逻辑之上，B1OCK还会每月更换展览和陈列，力求不断给消费者提供新的空间感受。

策展理念让品牌叙事不依赖单一产品，而是通过空间整体的层次感持续展开。自开业以来，B1OCK始终坚持不做大规模线上渠道。

Alessio逻辑很清晰：线上能快速完成交易，但很难实现由体验到认知最后沉淀为品牌忠诚度的转化。他提到自己每去东京必会逛一逛的和光百货。2024年，艺术家杉本博司与其新素材研究所团队主导了这栋银座地标建筑负一层的空间改造，把它变成了一个“文化与人的互动场所”。这里每月都有不同的展览，覆盖面非常广，从当代艺术到小众香水、和果子……不同品类共同展出，却能带来和谐一致的空间体验。

Alessio看来，这里能够成为一个全新的城市目的地，并不在于有某个大牌加持或某种流行趋势的热度，而是整体空间的氛围营造，让它充满活力，“它让你产生极大的信任，所以我每次去，都想去看看有没有新东西。”

对谈中顾叶丽也提到了一个让她印象深刻的品牌空间，来自阿根廷香水品牌Fueguia 1833。她最早接触这个品牌，就是被其位于米兰大教堂旁的实体店吸引。从整体店铺的视觉设计，到产品本身，再到店员专业的讲解，顾叶丽回忆，自己在店里待了快6个小时，“越沉浸越被吸引，通过很多细节，能够感受到这个品牌对所做之事的热情”。因此，当Fueguia 1833今年在上海开出中国首店时，她也立刻前去造访。

赵炜提出，品牌做线下的核心，就是用空间换时间：“消费者在店里每多停留10分钟，产生消费的可能是呈指数级增长的”。而更深层去看，空间真正换来的，是消费者与品牌之间从长时间停留、反复到访、层层体验、逐步了解中累积出的信任与情感。

空间能够实现这些，在于它能够全方位启动你的五感，让你的身体渠道接收更多信息。嗅觉闻到气味的变化和层次、触觉感知产品的质地、视觉捕捉更多细节……所有感官信息汇聚成一个整体“感受”，这正是空间叙事能穿透理性、直抵情感的原因。而顾黎则将空间能触发的体验延伸到“第六感”——直觉。“只有在线下空间，才能从五感延伸出第六感。这种直觉恰恰能让我们在消费中感受快乐。”

©️ ASPIR雀亦

雀亦的空间亦能反映这种逻辑。店铺没有装修的堆砌，就只是把老村子里一些木料、老物件“挪”到店里，却给消费者带来了非常治愈的感受。连顾黎自己都说，没有想到大家会那么喜欢。或许，正是当中不加修饰的质朴“村落感”，触碰到习惯了精致的城市人直觉层面的记忆与情感。空间可以制造直觉，而直觉一旦形成，很多时候远比理性更难被替代。

赵炜说，品牌最终的受众是有灵魂的人，如果你不相信“灵魂”这件事，你不会对任何品牌有忠诚度。空间的存在，便是让我们“看见”这个灵魂——它无法通过大数据精准推算，也不是表面功夫就能传递的。它的目标，不是“让人来一次”，而是“让人离不开”，是同频的价值观建立起的长期关系纽带。

什么是属于深圳的“空间样本”

回到M80这个项目。“80”，源自1980年，深圳作为经济特区开启它奇迹般发展之路的起点。它能唤起人们对这座城市发展的记忆，也代表了项目对深圳的深切关注和思考，试图沿着城市生长的脉络去探索一个属于深圳的“空间样本”。

他们想做的尝试，不是“再造一个商业空间”，而是思考“一个商业空间能为深圳的城市生活带来什么”“深圳需要怎样的城市商业空间”。

在M80 Voice发生的对话和交流，也是在探讨更多城市空间的可能。

过去3年，有超1000家首店落户深圳；2024年文化产业增加值达2200亿元，占GDP的8%。而赵炜点出，这里不缺知名品牌，且生长速度极快，但就文化消费和生活方式层面看，在全国产生影响力的尚不算多。因为这座年轻的城市，还未形成足够扎实的文化来为品牌“托底”。

但是，换个角度看。深圳的城市基因决定了这座城市天然的包容性。正如顾黎提到的，各个地方的人和文化在这里“发酵成新的东西，这是未来深圳可能延续下去的文化。”

天南地北的文化以及与这座城市共发展的人，就是这座城市的文化底盘。一个人口平均年龄三十出头的城市，它或许没有长久的文脉传承，也没有世代扎根的居民“养”出的市井文化。这里多是主动选择前来的新移民，文化认同更多靠的是“在场”与“共同经历”。

图源：Unsplash

因此，深圳确实还未能形成像成都、长沙那样与城市深度绑定的文化标签。但这里的文化土壤，正在形成中。它更指向当下的城市环境和日常生活，指向它的山与海、指向城市中的人们正在进行的每一天。

这里没有既定框架，各种“实验”的自由度都很高。不管是城市公共空间还是商业空间，都正在从简单的“看起来很丰富”向更具内核和整体性的“内容场域”转型，多种多样的尝试此刻都在这片土地上发生，远还未到能下结论的时候。就像Alessio的感受一样：“深圳正因只有短短40多年的历史，所以才是一张白纸，每个人都可以在这张白纸上留下自己的印记。”

如果北京是帝都、上海是魔都，成都和长沙的空间样本更多体现了“烟火气中的在地性”“市井文化的新消费表达”，那么深圳的城市生活气质与对应的空间样本是什么？尚不清晰，但一定是从这片正在形成的文化土壤里长出来的、带着自身城市记忆和生活特性的内容。什么是属于深圳的空间样本？答案正在被书写。

本期对谈嘉宾介绍

更多M80 Voice现场精彩内容回顾，可在「深圳M80」视频号观看。

关于深圳M80

M80尝试在深圳构建一个“人们可以发生无数次对话的场所”。作为位于超级湾区核心坐标的小体量商业空间，M80不以规模取胜，而以关系为核心一一通过内容、品牌与人的交互，创造持续发生的相遇与连接，探索一种更具温度的城市生活方式。

不走中国风的PANE，却成了外国游客最爱的上海特产

变身7 — Fri, 21 Aug 2026 02:47:44 GMT

前阵子采访一位从国外远道而来的摄影师，寒暄时说起这次中国行的购物，竟然是一双被当地朋友安利的复古德训鞋，来自2022年成立的中国新锐品牌PANE。

成立不过四年，PANE已经登上天猫500元以上德训鞋热销榜，2025年天猫GMV破1亿，线下门店排队半小时是常态。没有惯性认知里的中国元素，名字又是四个字母，乍看之下你可能不会意识到这是中国制造，但对于很多外国游客来说，这已是妥妥的中国特产。

那么，在一众拥有深厚历史抑或鲜明民族特色的品牌之间，PANE这个看起来不那么“中国”的新国货，为什么被大家注意到了？

中国特产，就等于国风吗？

2022年，曾依赖电商与流量红利崛起的新消费品牌正在集体降温。与此同时，一批中国品牌开始将目光投向海外。国产鞋履品牌PANE，就诞生于这个十字路口。

PANE，取自希腊神话中的牧神潘（Pan），一位半人半羊的牧神，热衷奏乐，擅长奔跑，曾穿过山谷、山丘和森林，追逐仙女绪任克斯数日而不知疲倦。作为西方古典艺术的源头之一，古希腊自带的古典韵味为品牌注入一层经典底色，在此后的官媒主页和门店空间中也能窥见一二。

作为土生土长的中国品牌，PANE最早却是在海外社交媒体上被许多人认识的。在正式上线全球官网前，品牌花了将近两年的时间进行内容铺排。明星妆造引发讨论，时尚穿搭类博主拍摄开箱、上身带货。场景多发生在家门口或是街角，穿着精致但简洁，整体传递出一种不刻意的松弛感。

没有铺天盖地的硬广，PANE就这样细水长流地积累起大众的好感。不过此时这些产品多为品牌赠送，直到2025年10月才打通全球销售渠道，但多个款式仍常处于断码缺货状态。也正因此，今天走进PANE国内门店，会看到外籍游客常常占到六成以上。

另辟蹊径选择这套打法的PANE创始人陈宁，并非时尚界的新人。在此之前，他曾主理高级定制男装品牌FULL MONTY长达十年。将两个品牌放在一起，不难发现一些相似之处。FULL MONTY以“Dress up without standing out”为核心理念，倡导舒适得体但不过度的穿着方式，PANE同样追求经典风格与舒适度的平衡。两者的社媒主页也保持着相对干净的调性，摒除营销硬广的浮躁，以此突出产品简约高级的质感。

FULL MONTY

PANE之所以能在短短几年内被更多人看到，与当下的潮流趋势有很大的关系。2022年底，以adidas Samba和Gazelle为代表的薄底运动鞋，在明星私服和街拍的出镜率持续走高，掀起一波时尚热潮。随后各大运动品牌陆续推出薄底鞋款。德训鞋、赛车鞋取代厚底老爹鞋，成为各家主打。PANE的标志性鞋款“轻训系列”即是在德训鞋的基础上进行简化和改良。

adidas Samba

在复古休闲鞋这条赛道上，PANE和其他品牌站在了同一起跑线。或许也因为踩准了这轮风口，它得以崭露头角。据《天猫2025年度新品牌发展报告》和宅门增长实验室数据，PANE凭借年度破亿的GMV，成为复古德训鞋赛道第一的新势力品牌，私域复购率则达到40%。

国货，不卷性价比了？

询问恰好穿着PANE的同事当初的购入原因，答案基本围绕“好看”二字。鞋子颜色好看，门店装修好看，看别人穿起来似乎也挺好看。话虽直白，却不无道理。PANE的走红，很大程度上归功于其贯穿始终的审美系统。

PANE驻上海的国际增长经理Iris Lee曾这样解释品牌的配色逻辑：“色彩赋予鞋款个性，却又不会显得过分。对我们而言，色调平衡与比例、与鞋型一样重要。”

以经典的轻训No-Gi系列为例，Artichoke是如同洋蓟般带有灰调的紫色、Cloudine以柔和的蓝色为主体、Ground Ginger则是偏暖的粉姜色调....即便同属一个鞋型系列，所搭配的材质组合并不相同，有的以带有自然纹理的蜡面皮革为主，有的采用更柔软的绒面革和羔羊皮，与选用的低饱和度色彩产生一加一大于二的综合效果。方圆几寸之间，有着数十种乃至更多色彩与材质的组合变化。这恰好顺应了当下的审美偏好，比起满身logo的张扬，人们越来越青睐那种有个性但不过分扎眼的单品。所以，PANE也被粉丝称作“行走的美学”。

依次为轻训No-Gi系列的Artichoke、Cloudine、Ground Ginger

PANE在线下门店的打造上也有一番讲究。目前门店集中在上海、北京、深圳、广州和杭州等一线和新一线城市的核心商圈和潮流地标。采取“一店一策”的思路，在品牌复古基因的基础上，延伸出各自不同的空间叙事。

位于上海永源路的首家旗舰店以希腊复兴风格为主要灵感，致敬古典柱式结构，采取对称几何切割，并在店内陈列了大量中古教堂椅和复古边柜。整体以中性色为基调，点缀墨绿、绯红等带有灰调的复古色，与鞋款配色逻辑一致。

上海永源路门店

落址广州阿那亚九龙湖畔的新店，则是另一种处理方式。虽延续复古色调，但借由大面积的玻璃幕墙将自然光引入室内、采用铝色金属货架增加现代感，同时设有饮品吧台，整体气质更贴合阿那亚的度假调性。此前，品牌还尝试过泳池、保龄球等不同主题，从不同角度放大复古或休闲元素。

广州阿那亚门店

杭州PANE保龄球馆限时快闪

产品和门店之外，PANE在社交媒体上的审美表现或许更值得留意。相比前两者更轻量，却是品牌在竞争激烈的鞋履赛道中建立辨识度的关键之一。取代传统营销硬广的，是展示产品细节的特写镜头。先让你看到鞋子的配色和材质，再顺势关注到旁边用小字号标注的设计理念或产品信息。

特别的是，他们持续更新的“PANE ARCHIVES”栏目，收录与品牌调性相符的灵感图片和故事，涵盖古代竞技与运动史、古典人体雕塑以及胶片相机、建筑墙面等自带时间质感的物与景。因此，当你打开PANE的主页，可能会有种在翻看先锋时尚杂志的错觉。这种克制，即使你不为产品而来，也不妨碍你成为品牌的关注者。

事实上，在PANE之前，Sporty & Rich 、Aimé Leon Dore等时尚品牌早已采用过类似的手法。以Moodboard制造氛围感，让你在欣赏图片的时候，潜移默化地记住这个品牌。但PANE的效果表明，如今依然有不少消费者愿意为审美买单。目前，PANE的Instagram已积累16.1万粉丝。

PANE，只是在卖鞋吗？

前不久，PANE和MINI汽车合作，推出融入赛车元素的限定鞋款COLORWAY/HAIRPIN STAR 弯道之星。同步上线的《The PANE Job》的短片，复刻经典汽车电影《偷天换日》（The Italian Job）中MINI Cooper运着金条穿梭于城市之间的戏份，让三辆MINI CABRIO劫走PANE门店内的鞋款。

纵观PANE此前的跨界合作：与日本买手店UNITED ARROWS，以1970年代都市生活为灵感，调整鞋面材质、鞋底设计等细节，推出复古鞋型；和东边野兽推出包含鞋履与护手霜的新年联名礼盒；与擅长幽默的STAFFONLY共创，在鞋舌、鞋垫等细节中加入煎蛋吐司等日常元素......PANE似乎不太在意合作对象的品类，而是更看重对方所代表的那种生活方式与审美是否同频。

东边野兽 × PANE联名

但随着PANE收获到的关注越多，一些网生品牌绕不开的问题随之而来。

明星达人推荐固然能带来一定的销量，但消费者更注重上脚时的舒适度。这是一双鞋子，尤其是一双休闲鞋最基本的需求。在这个问题上，PANE依旧需要面对薄底鞋的通病：修长偏窄的鞋型显脚瘦，却容易挤脚；为追求贴合感而选择的软木中底，也可能会带来硌脚的不适。由于脚型和走路习惯因人而异，PANE的舒适度评价呈现出较明显的两极分化。

另一方面，品牌门店内除鞋履外，还陈列了一些成衣与配饰。虽然目前尚不清楚品牌是否会持续拓宽其他品类，但如何将一以贯之的审美体系延续到所有产品线，并保证品控的一致性，应该是品牌扩大版图时需要面对的课题。

不过它一路走来的选择，让人看到了“国货”新的商业可能。虽是本土品牌，但可以以海外为突破口，再反哺国内市场。而国货也不意味着国风，去地域化的审美也许比鲜明的中国文化符号有更多的发挥空间。再次回到开篇的问题，这个没有深厚品牌历史积累的新秀之所以能与其他运动老牌同台竞争，实则是在走一条“品牌即内容”的路径，且这些内容是全球通用的。

当被问及“对PANE来说，如果快进到2026年底，成功的一年会是什么样子”，创始人陈宁的回答是两个具体的场景。一个发生在上海某个平凡的工作日，有人下班后，从容地穿上一双PANE。另一个是在巴黎的早晨，有人看到PANE和当地老牌出现在同一条街上，却丝毫不觉违和。

两个画面足以看出PANE的野心。一个始终践行“timelessness, motion, and authenticity（永恒、动感和真实性）”设计原则的休闲品牌，一个年轻但兴致勃勃，始终相信自己能与经典比肩的品牌。

只是审美风向和流行的生活方式时时在变，PANE能走多远，还需要更长的时间来验证。

在炎热的东南亚，他创造出不需要空调的公共空间

变身7 — Wed, 19 Aug 2026 03:44:00 GMT

时至今日，搜索“非标社区商业”，首页依然会立刻跳出那些经典作品The Commons、小庇护所.....以及近年的新作The Corner House街角之家。Department of ARCHITECTURE，这个成立于2004年的建筑工作室，和他们所期许的那样，持续呈现着历久弥新的建筑，也不断回应社区变化的需求，交出让人眼前一亮的设计。

在炎热的东南亚，人们习惯在空调房里，如何打造一个天然通风的空间？户外时光可以如何度过？

面对不断变化的休闲需求，设计公共空间是否有一以贯之的方法？

年轻人只为拍照而来，非标商业应该以“视觉冲击力”为先吗？

......

Amata Luphaiboon之前在MINDPARK创意大会的分享，与他这些年的实践，或许能给你带来一些启发。

公共建筑，应该这样设计

Q：设计公共建筑，有哪些需要考虑的因素？

A：我们生活在这个世界上，唯一不变的就是变化。建筑师的角色亦然，不仅要设计出能够经受住时间考验的建筑，更要能适应建筑所服务的社区不断变化的需求。

设计公共建筑，首先需要拥抱它的环境，融入当地；要尽量敞开欢迎人们；要能够适应气候，创造舒适的微环境。最重要的，在于理解这座建筑所要服务的人们。作为建筑师，需要定义出这里可以用于什么活动。

The Commons Thonglor

Q：怎么看待人们对拍照打卡的需求？”

A：为年轻人设计打卡地，那不是我们的角色，但我们需要平衡，在视觉冲击力之上，为空间注入更深刻的含义。”

Q：会挑选客户吗？

A：如果地方只是想要一个赚钱的项目，或者一个和之前的十个项目一样的另一个复制品，那我们不太适合彼此。

Q：为什么用建筑系来给自己命名？

A：很多学建筑的人都觉得，最快乐的做设计时光，就是在学校，一旦走上社会，一切都开始和金钱、效益相关，乐趣也就消失了。我希望能一直保有这份快乐。我想要‘工作到死’，创作是最有趣的部分。

The Corner House 街角之家

500米跑道贯穿建筑，在室内创造户外生活

这是Amata Luphaiboon于2025年在菲律宾圣胡安落成的社区商业新作，外观恍如一座白色森林。最大的亮点，是一条贯穿整栋建筑的500米螺旋坡道，既为人们创造了一个室内的锻炼空间，也串联起餐饮、活动和展览功能。面对当地高温湿热与频发的热带风暴，团队采用挑高通风大厅、可调节百叶窗等设计，即便不开空调，室内也能保持全年凉爽舒适。

坡道自从一层盘旋至屋顶，穿梭于建筑内外，总长度超过500米。

挑高通风大厅设计使热空气能够上升并向上排出，大型吊扇进一步增强了空气流动。

电动百叶窗和卷帘在天气晴好时提供自然通风，暴风雨时则会自动关闭，避免房屋过度潮湿而无法使用。

The Commons Thonglor 通罗公共社区商场

50%空间让渡公共区域，开创社区商业新模式

位于泰国曼谷的The Commons，在有限的占地面积内，缩小商户面积，将建筑的50%让渡给公共区域，实现了建筑师、投资者和入驻商户的“三赢”，至今仍是社区商业的范本。建筑最亮眼之处，是一个宽达临街面65%的大楼梯，像主干一样从街道延伸向上，随时敞开迎客。Amata Luphaiboon以流动性设计打造天然的通风系统，让这里成为一座真正的城市绿洲。

宽达临街面65%的大楼梯，引导人们至二楼，并沿台阶增加座位和种植，成为一处难得的露天公共空间。

顶部天窗引入自然光以减少照明，格挡阻挡强光直射。内部嵌入两组风扇，一组向上排热，一组向下送风。

每层地板设有空洞，上下楼层的游客可以互相看到，风也能经由这些洞口向下流动。

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